El carácter intemporal y universal de la forma y su permanencia en el tiempo a través del diseño popular ofrece un nuevo acercamiento a la identidad y al sentido de lo humano, planteada en esta tesis desde el caso abulense. El lenguaje de la forma, la escultura, se presenta así como un proceso creativo innato y necesario de nuestra naturaleza, capaz de permanecer en el tiempo como testigo y conexión de personas más allá del tiempo y el espacio. Este es el sentido de estas tesis que parte de un espacio concreto, Ávila, para ofrecer unas conclusiones con repercusiones universales al plantear un viaje al sentimiento, la emoción y la racionalidad desde la contemplación reflexiva que nace con la necesidad del universal proceso creativo. Dos momentos marginales respecto de la tradicional concepción artística oficialmente aceptadas son los elegidos para desarrollar este trabajo por permitirnos acercarnos a la esencia de conceptos como identidad, supervivencia y creación. Hablamos del primitivismo que cronológicamente nace con los primeros gestos plásticos del ser humano hasta la integración de la cultura desarrollada en estas tierras dentro del contexto más amplio y dirigido de la romana. Como disciplina artística, la escultura permite una mirada diferente a la científica, capaz de estudiar elementos de indudable valor artístico por su belleza, concreción, poesía expresividad de la forma, la materialización de azar e intención... Aspectos que transforman aparentes objetos anodinos, más allá de su valor histórico y testimonial, en fuentes de contemplación, conocimiento y disfrute artísticos que superan incluso la inicial validez funcional en aquellos casos en los que así la hubo. Hablamos de la vitalidad que podemos percibir desde su presencia como elementos artísticos. Estamos condicionados por nuestra propia actitud cultural a la hora de contemplar un objeto. Somos herederos del clasicismo, pero también de una identidad menos reconocida y transmitida, entre otros, por manifestaciones como el arte popular que surgió con las primeras manifestaciones artísticas y que se ha mantenido hasta nuestros días. Es, por lo tanto, el estilo artístico de mayor presencia en cualquier cultura cuya esencia creativa ha conservado el mismo sentido arcaico y primitivo que poco a poco hemos ido olvidando para volver a buscarlo desde la contemporaneidad. Tres caminos temáticos complementarios nos llevan a profundizar en el tema hasta llegar a las conclusiones finales: Materiales y técnicas, temática y aspectos formales. En todos ellos se profundiza en la esencia íntima común tanto a lo primitivo y a lo popular como consecuencia de las particulares relaciones humanas de ambos momentos en relación al ambiente natural y también al económico-social caracterizado por una economía de autoabastecimiento. En lo cultural, la inusual adquisición de materiales y elementos que podemos denominar como «exóticos» aportarán protagonismo ornamental y simbólico, en contraste con el trabajo más habitual condicionado por la asequibilidad de materiales y el mayor desarrollo de sus técnicas vinculadas, que influidos también por una temática común, vinieron a producir resultados formales característicos, incluso transmitidos por tradición y buscados por el autor en cada nueva creación.La facilidad de técnicas como la incisión o el grabado, pero también la sencillez y contundencia de algunas formas provocan una asimilación más rápida y profunda en el inconsciente formal. Estas características condicionan una concepción formal que camina con cierta soltura entre los ámbitos de la abstracción y la figuración, sin llegar nunca a niveles altos de realismo y que en algunas ocasiones adquieren un protagonismo en su relación con los materiales muy próximos a los presupuestos escultóricos propugnados por concepciones y movimientos de gran vitalidad plástica del siglo XX. El concepto y el tema se unen íntimamente para desarrollar un juego más o menos complicado de lecturas icónicas según los casos. La vitalidad de la forma se renueva a lo largo de la historia con cada nueva mirada, que también, a la larga, llega a producir confusión y empobrecimiento por la pérdida de referentes originales. El tema supone la adecuación de la forma a su utilidad, tanto en relación a la funcionalidad de la vida cotidiana, como con los aspectos más intangibles de la existencia desde la proyección de la personalidad artística del autor y por extensión de la comunidad en la que vive inmerso, tal y como seguimos creando hoy. Desde la observación analítica deducimos los muchos valores y elementos que unen a autores de diferentes épocas y espacios por encima del nivel consciente. Esta idea nos plantea unas interesantes y poco conocidas relaciones humanas cuyo testimonio se mantiene a través del arte popular. Hablamos de una manifestación artística nacida con los tiempos humanos, aglutinadora de conceptos y temas pese a la distorsión ya mencionada por la pérdida o transformación del código original. No sucedió así con el diseño de formas y dibujos que se han venido transmitiendo en un estado formal bastante puro, a pesar de las modificaciones propias de la manipulación individual o de la adaptación en función del momento y sus circunstancias. Un acontecimiento fundamental es la presencia del hito, elementos que incluso llegarán a ser adoptados para trascender hasta la expresión culta como símbolos identificativos y expresión de los mismos impulsos intemporales aunque materializados bajo diferentes advocaciones. Podemos afirmar que, aunque el arte popular es bastante fiel a la forma y al diseño, lo es aún más a su esencia, lo cual explica la permanencia de una misma personalidad a través de piezas con diferentes grados de barroquización. Podemos concluir afirmando que nuestra experiencia creativa y apreciativa es universal, pero necesitamos volver a los orígenes desde nuestros actuales planteamientos para reencontrarnos con nuestra propia naturaleza humana, comprender nuestra necesidad creativa, revalorizar los valores artísticos y la trascendencia del hecho creativo, potenciar el conocimiento y desde todo ello, crecer como comunidad particular y global.

En el año 2018 el estudio más preclaro de toda España -al decir de Je­ rónimo Münzer- celebrará su VIII Centenario, una conmemoración que servirá para analizar las múltiples circunstancias que durante ese tiempo han contribuido a configurarlo como hoy es. La puesta en valor de su rico patrimonio es el objeto de Loci et imagines1Imágenes y lugares. 800 años de patrimonio de la Universidad de Salamanca. El conocimiento del patrimonio mueble es vital para entender la idiosincra­ sia del Estudio salmantino; es este patrimonio -al que hay que sumar los inmuebles universitarios reconocidos como Bienes de Interés Cultural-el que le dispensa una identidad diferenciada de otras universidades hispa­ nas. Aunque los escenarios elegidos no forman parte de la muestra, será difícil que el visitante se aísle de la monumentalidad de los edificios que la albergan o la de los lugares por los que transitará para acceder a ellos; así, las Escuelas Mayores, Patio de Escuelas, Escuelas Menores u Hospedería del Colegio Fonseca acabarán integrados en el discurso de una exposición organizada en seis secciones, con un desarrollo temporal que nos llevará del siglo xv, datación del Cielo de Salamanca, a fines del x1x; exceptuando las obras relacionadas con Unamuno o el retrato de Juan Carlos l.

Descripción / Resumen (Inglés): The current publication, entitled Folksonomies, sets out the contents of a selection of works I have done lately and it recounts its exhibit walkthrough, organized on the basis of two individual projects which run parallel throughout 2016. One of them relates to the works arisin­g­ from my interest in Big Data and which is composed of different accounts with works in painting, mural installation and drawing. It is the project I have called Sombras_Big_Dat@. The second Project is about my activity around engraving, silk screen printing and digital printing which I have named 32 bits_memoria_grafica. The book is thus structured in two parts, starting with the Sombras_Big_Dat@ project and specifically, its showing at the Salamanca Museum, as I have shown here the set of works which comprise the project in the best conditions of space and illumination, which afforded us to collect some interesting photographic scenes on site and views of works which render quite an accurate idea of the jobs I have done.
The second part of this publication documents the exhibition called 32_bits_memoria_grafica, with works in engraving and printed work. Throughout my career, creating projects with these means has been and still is crucial: not only does it complement the creative activity I do with other disciplines, but it also provides me with other channels for my thoughts and presentation of ideas. The council of the Arts Engraving Museum chose my project and I was offered a chance to show a walkthrough of several years of activity which I structured on the basis of eight thematic axes: Energies, Presences, Dialogs, Silences, Places and territories, Echos and appearances, Human schemes and Dream landscapes, around which 32 works spin, executed with chalcographic engraving, digital printing and silk screen printing. The set of works grouped in such fashion composed a remarkable atmosphere which contributed to the understanding and tuning in with the works and their crossed meanings.Descripción / Resumen (Español / Castellano): La presente publicación, bajo el título Folcsonomías, expone el contenido de una selección de obras que he realizado recientemente y relata su recorrido expositivo, organizado en base a dos proyectos individuales que discurren en paralelo a lo largo de 2016. Uno se refiere a las obras que nacen de mi interés por el Big Data y que componen diferentes relatos con obras en pintura, instalación mural y dibujo. Es el proyecto que llamo Sombras_Big_Dat@. El segundo proyecto refleja mi actividad en torno al grabado, la serigrafía y la estampa digital y que he llamado 32 bits_memoria_grafica.
El libro se estructura así en dos partes, comenzando por el proyecto Sombras_Big_Dat@ y en concreto, con su exposición en el Museo de Salamanca, ya que aquí he mostrado el conjunto de obras que componen el proyecto en las mejores condiciones de espacio e iluminación, lo que nos ha permitido recoger interesantes escenas fotográficas en sala y visiones de las obras que dan una idea muy aproximada de los trabajos que he realizado.
La segunda parte de esta publicación documenta la exposición titulada 32_bits_memoria_grafica, con trabajos en grabado y obra impresa. A lo largo de mi trayectoria, crear proyectos a través de estos medios ha sido y es fundamental: no sólo complementa la actividad creativa que realizo con otras disciplinas, sino que me proporciona otras vías de pensamiento y de presentación de mis ideas.
El Patronato del Museo del Grabado de Artes seleccionó el proyecto y me ofreció la oportunidad de mostrar un recorrido de varios años de actividad que estructuré en base a ocho ejes temáticos: Energías, Presencias, Diálogos, Silencios, Lugares y territorios, Ecos y apariciones, Entramados humanos y Paisajes soñados, fueron los ejes sobre los que pivotaban 32 obras, realizadas con grabado calcográfico, serigrafía y estampa digital. El conjunto de obras así agrupadas compuso un clima significativo que favorecía la comprensión y sintonía con las obras y sus cruces de significados.

«Cuando hablamos de criticar el arte, no hablamos de considerar las cualidades más o menos objetivables de algo que hemos convenido en de- signar como ”obra de arte”, sino de cuestionar, cabría decir de un modo trascendental, los fundamentos ideológicos mismos que nos han llevado no sólo a convertir a una serie de objetos en una especie de excepción en el reino de las cosas, sino a considerar incluso que en ellos habitan revelaciones trascendentes que nos sitúan de modo inmediato en el reino de la verdad. Hablamos más bien de replantear el propio estatuto ontológico del Arte en tanto realidad histórica un tanto estupefaciente, de la misma forma en que el pensamiento ilustrado se atrevió a cuestionar las verdades más o menos inconmensurables del discurso religioso.»

En esta Tesis Doctoral estudiamos la terminología militar en una etapa de gran desarrollo tanto lingüístico como científico: el Renacimiento. Nuestra principal aportación la constituye el Glosario de fortificación y arte militar renacentistas. Le acompaña una serie de apéndices sobre variantes ortográficas, abreviaturas, siglas y marcas, junto con un catálogo de ilustraciones comentadas. El resto de los apartados de la presente Tesis complementan al glosario. En primer lugar, ofrecemos un panorama del arte militar en el Siglo de Oro, donde destacamos sus aspectos más relevantes. De este modo, revisamos el concepto de “revolución militar” postulado por los especialistas en referencia a la época estudiada. Enumeramos, asimismo, las repercusiones que trajo consigo, a la vez que resaltamos las naciones protagonistas de esta revolución. Por otro lado, ofrecemos un estudio lexicológico de las unidades terminológicas del glosario. Así, analizamos el conjunto de los préstamos, los procedimientos morfológicos y semánticos, además de realizar una clasificación por campos nocionales del vocabulario militar. El estudio filológico de esta terminología permitirá lograr un mayor conocimiento del léxico de la milicia y de la fortificación y contribuir a completar uno de los vacíos existentes en la lexicología histórica. Finalmente, adjuntamos un capítulo en el que reconstruimos la historia de la lexicografía militar castellana, fundamentalmente la de los siglos XVIII y XIX, period de máximo apogeo en la publicación de este tipo de repertorios. A pesar de ser muy profuso el grupo que forman, la mayoría de estos diccionarios son desconocidos para los especialistas en lexicografía hispánica. De todas formas, su relativa antigüedad les impide convertirse en la alternativa lexicográfica actual para este ámbito especializado, por lo que consideramos relevante nuestro Glosario militar, con el que pretendemos paliar la carencia en lengua española de inventarios léxicos de la milicia asentados sobre sólidos principios lingüísticos.

Desde sus inicios la fotografía en México ha sido un género artístico dominado por no indígenas y la cultura indígena una constante temática dentro de la misma. No fue hasta los 1990s cuando surgieron los primeros grupos de fotógrafos indígenas profesionales que además de tener gran éxito en México, lograron atención y reconocimiento a nivel internacional. Con sus trabajos enriquecen la visión de los fotógrafos no indígenas conocida hasta entonces y dan nuevo rumbo a la presencia del mundo indígena en la fotografía mexicana. En esta tesis doctoral decidí poner en directa comparación ambos grupos de artistas para así subrayar las similitudes y disparidades en sus trabajos. Para este propósito seleccioné un grupo lo suficientemente representativo dentro de la abundante producción fotográfica no indígena y, en el caso de los indígenas, escogí a los fotógrafos más conocidos del país. Como parte esencial del proceso de investigación, conduje más de cincuenta entrevistas tanto a fotógrafos indígenas como no indígenas, y así también a diversos personajes del medio cultural mexicano. En ello descubrí cuáles son los grupos étnicos más fotografiados a finales del siglo XX y llegué a algunas observaciones respecto al futuro de la fotografía indígena en México.

En los veranos de 2009 y 2010 tuvieron lugar diversas actividades académicas en el marco de la Escuela de Verano de la Universidad de Salamanca en Trabanca. Ésta fue impulsada durante dos cursos consecutivos por el Servicio de Cursos Extraordinarios de la Universidad de Salamanca, que entonces dirigía D.ª M.ª Cruz Sánchez Gómez, y el Ayuntamiento de Trabanca, cuya alcaldía desempeñaba, y sigue desempeñando hoy, D. José Luis Pascual Criado. Entre septiembre de 2009 y julio de 2010 asumí la dirección del Curso Extraordinario y el Congreso Internacional que, con ese motivo, tuvieron lugar. Lo hice por encargo de las entidades organizadoras, que fueron, además de las más arriba mencionadas, el Departamento de Historia Medieval, Moderna y Contemporánea y el Centro de Estudios de la Mujer de la Universidad de Salamanca (CEMUSA), que tengo el honor de dirigir actualmente. Los historiadores Noemí Cubas Martín y David Hidalgo Rodríguez, técnicos culturales a la sazón del Ayuntamiento de Trabanca, se ocuparon eficazmente de las tareas de coordinación de ambos foros.

En la vida cotidiana de la Universidad de Salamanca en la Edad Moderna está latente una constante preocupación por los aspectos protocolarios, celebrativos y rituales. De modo particular, en el siglo dieciocho se manifiesta con especial fuerza el deseo de dotar a las celebraciones religiosas en la Real Capilla de San Jerónimo del decoro inherente. La música, que se había convertido en un elemento indispensable del ritual católico, contribuye a la grave solemnidad de estas funciones. Pero además asume un papel protagonista en los procedimientos ostentativos que, con la excusa de pretender aquélla, se ponen en marcha en una universidad que, a lo largo del setecientos, ansía mostrarse y demostrarse ante los otros organismos locales, ante la monarquía e incluso ante sí misma. La consideración del fondo (serie documental que se extiende entre 1735 y 1818 aproximadamente) de partituras vinculado a la Capilla de San Jerónimo que se conserva en la Universidad de Salamanca como un archivo musical, exigiría definir cuál es el elemento que dota al mismo de una interrelación cohesiva y unificadora, en definitiva, de un carácter orgánico.

Este libro trata de explicar algo tan profundo como humano: historias personales que se cruzan para originar un proceso complejo. De estas relaciones personales surgen las redes culturales. Las protagonistas de este libro fueron contemporáneas, aunque no de la misma generación. Compartieron intereses y promovieron asociaciones humanitarias eficaces. Se movieron por redes ya existentes –sufragismo organizado, grupos de intelectuales, ambientes filo-masónicos, partidos políticos, corrientes de opinión articuladas, la Institución Libre de Enseñanza, grandes Universidades de influencia internacional, asociaciones universitarias– o crearon otras. Afrontaron las necesidades sociales desde sus compromisos culturales y políticos. La Dra. Olarte investigaba el plan de Folklore Español de Archer Hungtinton cuando encontró fuentes sobre Irene Lewisohn en la Public Library de New York. A partir del estudio documental fueron surgiendo mujeres, conexiones, un perfil femenino de interactuación cultural al que respondían otras mujeres de otros ámbitos. Al final tenemos este libro. En Manhattan Transfer John Dos Passos hace de esta estación una imagen de New York. Las autoras hemos aglutinado los trabajos en dos Plazas y una Avenida. Por la Quinta Avenida trasegaron Teresa Carreño, Liljan Espenak, Irene Lewisohn, Sofía Novoa, Luisa Espinel, Rebeca Switzer y Myrrha Alhambra; y Carolina Marcial- Dorado. Por la Plaza Mayor, Kati Horna, Katharina Atholl, Mildred Adams, Margaret Palmer, Mary Carter-Jones y Eleanor Rathbone. Nunca sabremos cuántas veces atravesaron Trafalgar Square Leah Manning y Rosita García Ascot. Liberales, cultivadas y activas. Redes culturales, lazos de amistad es a la vez un estudio científico y un homenaje a la genialidad femenina.