Esta obra tiene como objetivo reivindicar la figura de Madero ante la terrible difamación de su imagen en el México revolucionario. Barajas nos ofrece un recuento sobre el proceso de deformación que sufrieron los caudillos revolucionarios en la prensa como método contrarevolucionario por parte de las élites porfiristas. La obra se divide en nueve capítulos que abordan diversos temas y personajes que contextualizan a la figura de Madero y explican el cómo y por qué fue altamente criticado en las caricaturas de la época. La obra habla de la responsabilidad de la labor periodística en tanto creadora de contenido. Barajas invita a la reflexión sobre el enorme poder del periodismo al momento de construir la opinión pública.

Cantautora de primera línea, talentosa y comprometida, Rozalén nos regala una libre y honesta recopilación de reflexiones acerca de los momentos y situaciones más emocionantes e importantes de los últimos años.

Los puntos suspensivos son finales abiertos y este libro, este inventario de recuerdos, es el punto y seguido que todos necesitamos para seguir adelante.

En estas páginas se grita, se piensa, se reflexiona y se cuentan los silencios que hay detrás de cada sentimiento, de cada experiencia que Rozalén ha vivido en estos últimos años.

En prosa y sin prisa, María se quita el paraguas que todos llevamos de serie y, sin cinturón de seguridad, deja que las palabras resbalen por su muñeca para contar y vivir con quien quiera leerlo todo lo que le llueve dentro, para compartirlo con cada lector que tenga el valor de mojarse.

El primer poemario de Shuarma, artista, vocalista de Elefantes y uno de los compositores más populares del panorama pop nacional.

«Los textos que componen este libro persiguen la voluntad de alejarte de la realidad, llevarte a otro lugar y sugerirte nuevas visiones, no las mías, sino las que te surjan a ti a través de mis propuestas. Yo enciendo la mecha y tu explotas. Aunque a decir verdad eres tú quien enciende la mecha al decidirte a leer. Siempre comienzas tú».

El error es un maestro; crear, la libertad más absoluta. De la magia de lo incompleto, de la sabiduría que se esconde tras la duda y del juego del arte habla este libro. En él, Shuarma -músico, vocalista del célebre grupo Elefantes y artista multidisciplinar- recoge textos que van de lo íntimo a lo lúdico y lo surrealista, que permanecen abiertos a la interpretación, a la espera de que el lector los experimente de una manera única y particular. Una reflexión sobre el poder de la creación y una reivindicación de la misma como acto universal.

La presente investigación pretende realizar una aproximación a la música del cine español de la década de 1960, otorgando especial interés a aquellas manifestaciones musicales que ilustran identidades femeninas. Para ello, y tras el establecimiento de un marco teórico que determina el contexto de este trabajo, se presenta un estudio estético y analítico de la música de cine en la España de los años sesenta. Esta tarea tiene en cuenta, por un lado, las diferentes estéticas musicales, de acuerdo con el heterogéneo panorama cinematográfico y musical existente en la década, y, por otro lado, el análisis de una selección de bandas sonoras representativas según criterios precisos que se especificaran oportunamente. Por otra parte planteamos un análisis del significado que la Banda Sonora Musical adquiere a través de la unión de imagen y sonido en torno a los personajes femeninos dentro del cine español de la época citada. Para ello, ofrecemos un análisis que tiene en cuenta, además de aspectos formales, el valor de la música para representar roles de género y aspectos determinados referentes a la mujer de los años sesenta en España; es decir, nuestro proyecto pretende confirmar que la Banda Sonora Musical, entre otras funciones, es capaz de recrear valores semánticos e identitarios. Así, pues, este estudio audiovisual persigue ofrecer un acercamiento musicológico a partir de una lectura analítica, iconográfica, antropológica y semántica de la música de cine de acuerdo con el contexto histórico y social de la España de 1960.

Sirviéndose de un acercamiento al muralismo mexicano, en concreto a la obra de Rivera, Orozco y Siqueiros, Subirats explora las interpretaciones estadounidenses y europeas del arte, que obviamente son hegemónicas y sitúan en una posición disminuida, de desventaja, al muralismo mexicano, al intentar entenderlo y estudiarlo según criterios ajenos a nuestra cultura, lo cual anula su particularidad histórica, ante la ausencia de un horizonte teórico autónomo, específico y propio, además de la inexistencia de una conciencia crítica. Asimismo, y en contrapeso con lo anterior, expone el fundamento mitológico, metafísico, sociológico y político de toda verdadera obra de arte, todo esto por supuesto, en una elegante prosa lírica y desde una postura crítica original.

Actualmente, para la mayoría, promotor es aquel que gestiona el proceso de la construcción de viviendas y obtiene plusvalías, en suma, el protagonista de la burbuja inmobiliaria. Aunque también lo es quien gestiona la construcción de su propia casa. Inicialmente la decisión de convertirse en autopromotor nace del deseo o necesidad de personalizar la casa, pero precisa de tanta voluntad y esfuerzo que la mayoría acaba renunciando a sus aspiraciones y comprando un producto estándar. Para todos aquellos que no se conforman con una de esas viviendas genéricas en urbanizaciones homogéneas se ha escrito este libro. Contiene lo que toda persona debería saber antes de iniciar la promoción: financiación, legalidad urbanística, licencias de obra, elección de arquitecto, constructor o industriales, decisión de materiales, usos y costumbres del mundo de la construcción, conflictos posibles, trámites fiscales y notariales, etc. El autor contesta a preguntas frecuentes como ¿por dónde empezar?, ¿de quién fiarme?, ¿cuánto cuesta hacerse una casa?, ¿qué parte prestará el banco? o ¿podré hacerla en ese lugar con encanto? Así, aporta información sumamente práctica sobre los conceptos y procesos que hay que conocer para promover una casa.

Desde hace dos décadas se están produciendo profundas rupturas en los cines africanos por diferentes causas: una nueva relación con la realidad, renovadas estrategias estéticas y la aparición de un cine popular poscolonial. Olivier Barlet aborda en esta obra las cuestiones críticas que plantean estas evoluciones, ofreciendo una visión personal del desarrollo reciente de una cinematografía todavía poco conocida, pero que lucha por ocupar su lugar en el cine mundial. Este libro, que ha sido traducido también al inglés y al árabe, es una síntesis indispensable para desafiar las ideas preconcebidas y para enriquecer el enfoque del cine como arte crítico. “La labor de Olivier Barlet, incansable investigador y crítico apasionado de los cines africanos, es digna de elogio”. (Cahiers du Cinéma) “La nueva obra de referencia sobre todos los temas que aborda el cine en África”. (Slate Afrique) “Olivier Barlet es una enciclopedia viviente del cine africano”. (Jeune Afrique)

Una mirada divertida y reveladora sobre la música que invita a la escucha libre, desprejuiciada y mucho más placentera de cualquier género musical.

Este libro derriba con gracia y brillantez una idea que a menudo nos impide disfrutar abiertamente de ciertos géneros y obras: la idea de «música intelectual», que tan a menudo se interpone entre el oyente y el placer de la escucha. Además, ofrece algunas claves para que cualquiera pueda adentrarse en ciertas músicas supuestamente más impenetrables.

Con un tono cercano, por medio de anécdotas divertidas y reveladoras y empleando un enfoque completamente alejado de lo académico, Peyrou plantea una serie de argumentos en contra de la noción de que ciertos estilos exigen una escucha intelectualizada. El libro, no obstante, desborda ese objetivo y se convierte en una lección sobre cómo funciona la música: cómo piensan los compositores y qué deseos los guían, en qué consiste la innovación y por qué encuentra tanta resistencia entre el público, qué tienen en común los diversos géneros y qué los diferencia, qué actitud es la más adecuada por parte de los oyentes. Relacionando músicas muy variadas (clásica y contemporánea, popular y folclórica, jazz, rock) pero también ideas procedentes del arte, la literatura, la filosofía y la antropología, el autor traza conexiones sorprendentes y propone una manera diferente de escuchar.

La crítica ha dicho:
«Libro a libro, ha renovado los modos del lenguaje y los enfoques de la mirada de una obra poética y narrativa tan personal como extrañamente prodigiosa.»
Antonio Ortega, Babelia

«Esas raras veces en que el ingenio se acompaña de sustancia, el resultado puede ser fascinante. En ese momento es cuando yo dejo de llamarlo "ingenio" y lo llamo "talento".»
Sara Mesa, Estado Crítico

«Su sentido del humor y su controlado gusto por la broma lingüística adquieren un feliz tono propio.»
Nadal Suau, El Cultural

«Innovador, ácido, lúdico, lúcido.»
Ángeles López, La Razón

«Uno de nuestros grandes poetas del lenguaje.»
Vicente Luis Mora, Diario de Lecturas

«Mariano Peyrou me parece un excelente escritor.»
José María Guelbenzu

«Una de las escrituras más personales y sorprendentes del panorama actual.»
Luis Bagué Quíles, Babelia

«Uno de los narradores españoles más inteligentes en el juego con el lenguaje.»
Eugenio Fuentes, La Nueva España

«Dan ganas de anunciarle al lector que esto no es una novela. ¿Y esto es bueno o malo? En el caso del autor madrileño, es bueno. Muy bueno. Endiabladamente inteligente.»
J. Ernesto Ayala-Dip, Babelia, sobre Los nombres de las cosas

«Son muchas las cuestiones existenciales y artísticas que plantea De los otros. Impulsada por un estilo introspectivo, con derivas en el flujo de la conciencia y diálogos con frases inconclusas. Peyrou sobrecoge al lector.»
Francisco Solana, Babelia

«Peyrou da rienda suelta a su aventura lingüística sin que la vanguardia desemboque jamás en gratuidad.»
Juan Andrés García Román, Babab

«No es una novela de humor, y sin embargo es divertida como pocas que haya leído en los últimos años.»
Juan Marqués, La Esfera de Papel, sobre Los nombres de las cosas

Una joya de los años sesenta recuperada. Un intrépido y divertido experimento: una novela reality protagonizada por tres amigos que hablan sobre sexo, drogas, el final de la juventud...

«De una obscenidad asquerosa», fue la respuesta que le dio un reputado editor a Linda Rosenkrantz cuando se negó a publicarle este libro, que al final vio la luz en 1968. ¿Qué provocó ese airado comentario? Sin duda que La charla es, tal como señala Stephen Koch en su pórtico a esta edición, «una novela reality».

La propuesta de Linda Rosenkrantz es tan simple como osada. Tres amigos pasan el verano de 1965 en la playa de East Hampton. Y hablan. Con franqueza y sobre todo lo imaginable. ¿Cómo plasmar esas conversaciones sin que pierdan la vivacidad al trasladarlas a la página? Muy sencillo: la autora las registró con una grabadora y las reprodujo tal cual. Con un único matiz: el original ocupaba 1.500 páginas, y en él intervenían veinticinco personas, así que redujo la extensión y los personajes. Quedaron tres: Marsha, que tiene un buen trabajo en Nueva York; Emily, su confidente y amiga, actriz, dipsómana y desinhibida; y Vincent, pintor homosexual, talentoso y analítico, por el que Marsha siente un amor no consumado.

Estamos en los años sesenta, y la novela capta de un modo documental esa época de cambios revolucionarios. El trío habla de sexo –promiscuidad, ménages à trois, masturbación, sadomasoquismo...–, de drogas –una experiencia con el LSD–, de cultura –se mezclan sin complejos Fitzgerald, Proust, Durrell, Ginsberg, Dylan...–, de psicoanálisis y del mundillo artístico en el que los tres se mueven, la Nueva York de Warhol, Sontag, el expresionismo abstracto, las fiestas interminables...

¿Y por qué rescatar este libro ahora? Ante todo porque sigue plenamente vivo, con sus ágiles diálogos que mezclan reflexión, hilaridad, lubricidad, dudas y contradicciones; en segundo lugar porque es el valioso testimonio de una época convulsa; y también por ser un audaz experimento de literatura de lo real, cuya influencia puede rastrearse hoy en series como Girls, de Lena Dunham, o en el humor deslenguado –¿de una obscenidad asquerosa?– de Amy Schumer.

La charla es la vida misma, con toda su crudeza, impudor y paradojas. Y casi cincuenta años después sigue tan fresca y provocadora como el primer día.

Una mirada ácida, mordaz, lúcida y muy, muy divertida sobre el feminismo, el machismo y las mujeres en el siglo XXI.

Bridget Christie es una humorista sin pelos en la lengua, célebre en el Reino Unido por sus monólogos teatrales, en los que denuncia el machismo que sigue imperando en la sociedad contemporánea y reflexiona sobre la condición femenina. Y, para que sus agudas reflexiones cargadas de sarcasmo quedasen negro sobre blanco, una editora –sobre la que Christie se apresura a explicarnos que también ha publicado en inglés el Mein Kampf de Hitler (eso sí, en edición crítica y anotada)– le pidió que escribiese todo eso que explica, parodia y condena sobre un escenario.

El resultado es este libro, entre la evocación de vivencias personales (por ejemplo, cómo un pedo la convirtió en feminista: sí, un pedo, han leído bien) y el panfleto descacharrante (por ejemplo, los tópicos inacabables sobre las feministas: no practican sexo jamás, todas son lesbianas, gordas y feas, todas nacieron en los sesenta y todas usan gafas y parecen la Velma de Scooby-Doo..., ah, y, por supuesto, todas se pasan el día quemando sujetadores).

Pero hay más, porque habla también de la mutilación genital, de las escandalosas cifras de tocamientos no consentidos en los colegios británicos y de la también escandalosa brecha salarial, de las campañas de lencería con «mujeres normales», de la industria del sexo, de la dictadura del físico, de las chicas enseñando las tetas en el The Sun de Rupert Murdoch...

Y habla también de mujeres: históricas como las Brontë, Mary Wollstonecraft o las sufragistas, y actuales como Malala, la niña víctima de los talibanes por querer estudiar. Pero no se olvida de los hombres, históricos como el esteta decimonónico John Ruskin, que se desmayó al ver el abundante vello púbico de su joven esposa la noche de bodas, o actuales como Nigel Farage –bestia negra de la autora–, Dan Brown o el piloto de carreras Stirling Moss, que considera que las mujeres no están capacitadas para conducir tan rápido y, para demostrar su superioridad, un día se cayó por el hueco del ascensor porque al abrir la puerta no se fijó en que no estaba en la planta...

Ácida, combativa, inteligente, provocadora, Christie sabe que hay cosas tan importantes que sólo se pueden abordar con humor. Y su libro acaba siendo también una reivindicación de cómo la comedia puede convertirse en un arma política, denunciar injusticias flagrantes y ayudar a cambiar actitudes.

El encuentro entre un niño y un anciano mago. Una novela fascinante, divertida y emocionante, que mezcla el humor melancólico de Isaac Bashevis Singer con la fantasía y los ecos de la mejor tradición popular.

Dos ciudades. Dos épocas. Dos personajes cuyos destinos se cruzan: un niño dispuesto a creer en todo y un anciano que ya no cree en nada.

Las dos ciudades y las dos épocas son Praga en 1934 y Los Ángeles en 2007. El anciano que ya no cree en nada es el gran Zabbatini, un mago procedente de una familia de rabinos que, cuando era niño y se llamaba Moshe, quedó fascinado por un legendario ilusionista de circo que visitó la ciudad y acabó actuando ante Hitler y viviendo una intensa y dolorosa historia de amor y trágicas peripecias en la Europa ocupada por los nazis. El niño dispuesto a creer en todo es Max Cohn, tiene diez años, su abuela sobrevivió a los campos de concentración de pequeña y sus padres están a punto de divorciarse. Y cuando Max descubre entre trastos viejos un disco de conjuros y trucos del gran Zabbatini, se empeña en buscarlo para que le ayude a salvar el matrimonio de sus padres y lo localiza en una residencia de ancianos.

Fascinante, deliciosamente divertida y emotiva, esta novela atrapa al lector con una bellísima historia en la que confluyen dos mundos, emergen amores perdidos y olvidados gestos heroicos y surgen segundas oportunidades.

Una fenomenal mezcla del humor melancólico de Isaac Bashevis Singer con la fantasía y los ecos de la mejor tradición popular; el truco de un debutante que se nos revela, con este su primer título, como un verdadero mago.