¿Qué colores utilizar para transmitir en acuarela el frescor y la calidez de un paisaje tropical? ¿Y la exuberancia y la frondosidad de una selva? ¿Cómo replicar la paz y la serenidad del arte impresionista? La popular acuarelista Ana Victoria Calderón te cuenta en este libro todos los secretos para elegir y mezclar acuarelas creando combinaciones y efectos cromáticos atractivos y llenos de emoción.

Conceptos básicos: aprende los conceptos básicos de la teoría del color, desde el círculo cromático hasta cómo crear armonías o jugar con la temperatura.

56 paletas de color: un extenso y valioso muestrario basado en fotos evocadoras y bellas obras de arte te servirá de fuente de inspiración y te enseñará a trasladar a una paleta de color la realidad que te rodea

Exploración cromática: experimenta con una amplia gama de combinaciones jugando con los brillos, los contrastes y todo tipo de efectos adaptados a la técnica de la acuarela

¿Quién no ha construido una casa en la infancia? árboles, muebles, sábanas y tantas otras cosas han servido a la imaginación de niños y niñas durante generaciones. La curiosidad y la intuición les han permitido aprender a través de la experiencia conceptos relacionados con la arquitectura, que sobre todo resultan útiles para el ejercicio de una ciudadanía atenta a los cambios de las ciudades y espacios que habita. Los juegos que recoge este libro proponen situaciones en las que casi sin darnos cuenta se desarrolla la visión espacial, se promueve el cuidado del medioambiente o se interiorizan conceptos básicos como las escalas de medida.

Arquitecturas del tiempo reúne dieciséis proyectos en los que el carácter temporal es tan importante como el espacial, fundamento evidente de toda construcción. Sin embargo, en estos trabajos, temporal no es necesariamente sinónimo de efímero. De hecho, Enric Miralles y Benedetta Tagliabue creen menos en un planteamiento cuyo sentido se encamina a un final cerrado que en una obra en marcha hecha de instantes en la que, como recordaba Goethe a Eckermann, cada paso es una meta sin dejar de ser un paso. Entre espacio, tiempo y movimiento, estas arquitecturas testimonian el viaje que va de las exposiciones en Harvard, Venecia o Copenhague a la Feria de Arte Contemporáneo en Madrid, pasando por el juego de sombras que produce un edificio, el diseño de elementos destinados a otros juegos, los infantiles, o la escenografía cambiante de una ópera estrenada en el estudio barcelonés de los propios arquitectos. Los proyectos aquí presentados entremezclan la realidad arquitectónica con su representación para crear una realidad nueva que permite mover de continente en continente ?a través del tiempo? un espacio construido y en principio inamovible. Merced a su carácter viajero, estas obras son siempre diferentes, sin dejar nunca de ser las mismas. Time architecture brings together sixteen projects in which the temporal factor is as important as the spatial, the obvious basis of all construction. In these works, however, ?temporal? is not necessarily synonymous with ?ephemeral?. In fact Enric Miralles and Benedetta Tagliabue believe less in a conception whose meaning is directed towards a final closure than in an ongoing work made up of instants in which, as Goethe remarked to Eckermann, each step along the way is, without ceasing to be a step, a goal in itself. Between space, time and movement, these architectures bear witness to a journey which extends from exhibitions in Harvard, Venice and Copenhagen to the Contemporary Art Fair in Madrid, taking in the play of shadows a building produces, the design of elements destined for other, childhood, games, and the changing set design of an opera premièred in the architects' own Barcelona studio. The projects presented here combine architectural reality with its representation to create a new reality that enables a constructed and essentially immovable space to move ?in time? from continent to continent. Thanks to their migratory nature these works are consistently different without, for all that, ceasing to be themselves.

Este libro es fruto del entrelazamiento de cuatro voces. Su origen se sitúa en la conversación que mantuvieron María Acaso y Luis Camnitzer, dos de las figuras que más han contribuido a cuestionar y replantear el papel y las relaciones entre el arte, la educación y el conocimiento desde el Art Thinking, con ocasión de los encuentros organizados en Medialab-Prado en febrero de 2015. Junto a ellos, Andrea De Pascual y David Lanau, quienes comisariaron la conversación para ofrecer en estas páginas una versión reelaborada y amplificada de las reflexiones de Acaso y Camnitzer, que dieron pie a exponer las suyas propias, así como sus inquietudes y experiencias en su trabajo como “arteducadoras” en el colectivo Pedagogías Invisibles. Desde la apuesta común de las cuatro de situar el pensamiento artístico como vertebrador de lo educativo, esta obra indaga en las tensiones y dicotomías que atraviesan las relaciones entre el arte y la educación, dos ámbitos tradicionalmente disociados, sobre todo en relación al estatuto y legitimación de sus saberes, profesionales e instituciones, abordadas aquí a través de las figuras del artista-museo y la profesora-escuela. Su análisis busca así superar esta visión dicotómica y promover el reconocimiento de otros aspectos y categorías de análisis –el carácter desordenado e “indisciplinado” del conocimiento; su carácter lúdico y poético, la delincuencia o desobediencia ligadas a las figuras de artista y docente; el potencial de la ignorancia activa para fomentar el autodidactismo; la necesidad de crear espacios alternativos al inmovilismo institucional, etc.– . Con ello han querido mostrar cómo la combinación de estas dos disciplinas puede servir de catalizador para la innovación pedagógica, el pensamiento crítico y la transformación social.

Un llibre sobre l'ebullició creativa del panorama musical barceloní Per què es van separar els Antònia Font? Què va fer que Standstill deixés el hardcore pel rock? Què sent Sílvia Pérez Cruz quan puja a un escenari? Com és la mestra que va inspirar Roma dels Manel? Andreu Gomila i Marta Salicrú disseccionen l'escena musical catalana dels últims quinze anys per fer un retrat d'una generació que ha canviat la història de la música popular d'aquest país a través dels seus protagonistes. Són també Love of Lesbian, Hidrogenesse, Roger Mas, Guille Milkyway, Mishima, El Petit de Cal Eril, Joan Colomo, els segells BCore i BankRobber... Noms que són part de la nostra història.

El claroscuro de un genio maldito.

Michelangelo Merisi da Caravaggio vivió la más oscura y peligrosa vida de entre los grandes maestros de la pintura. Los ambientes de Milán, Roma y Nápoles en los que Caravaggio se movió, y que Andrew Graham-Dixon describe magníficamente en este libro, son los de los cardenales y las prostitutas, los de la oración y la violencia. En las calles que circundaban iglesias y palacios, las peleas y los duelos eran moneda común. En una de estas disputas, el impetuoso Caravaggio mató a otro hombre y tuvo que huir a Nápoles y luego a Malta, donde escapó de prisión tras verse envuelto en otro episodio violento. Él mismo fue víctima de un intento de asesinato en Nápoles tiempo después. Murió mientras regresaba a Roma en busca del perdón papal para sus crímenes. Tenía 38 años.

Andrew Graham-Dixon ha pasado una década reuniendo las evidencias conservadas sobre la vida de Caravaggio para responder en este libro a muchas de las cuestiones que durante años han desconcertado a los investigadores. Revela las identidades de la gente corriente -a menudo prostitutas y mendigos- que el pintor usó como modelos para sus representaciones de escenas religiosas clásicas; describe lo que pasó realmente durante ese fatídico duelo; y ofrece el más convincente relato publicado hasta la fecha de las extraordinarias circunstancias de su muerte. Y en el centro de este relato se sitúa la reveladora interpretación que Graham-Dixon hace de los cuadros de Caravaggio para mostrar cómo éste creaba su drama, inmediatez y humanidad, y cómo rompió drásticamente con las convenciones de la época.

La crítica ha dicho...
«Ha habido otras biografías de Caravaggio, pero la de Andrew Graham-Dixon es la que hay que leer. Impresionantemente erudita y bien escrita, ésta es una extraordinaria historia de un hombre que nunca nos habla más que a través de su pintura.»
Daily Mail

«La vida de Caravaggio fue en cada detalle tan sangrienta, excitante y atractiva como sus propias pinturas. Entre informes policiales y exuberantes lienzos, Graham-Dixon ha moldeado una vida y la historia de una sociedad.»
The Times

«Raramente se ha podido contemplar a Caravaggio con tanta profundidad y relieve como en esta maravillosa biografía. El hombre y su obra emergen enriquecidos y revitalizados.»
Neil MacGregor, director del British Museum

«Tras años en los que los historiadores del arte se han concentrado en los detalles del estilo artístico, es refrescante leer una biografía de Caravaggio que combina la sangre y las vísceras de los callejones de Roma con una verdadera comprensión de la calidad y el carácter de su pintura.»
Charles Saumarez Smith, director de la Royal Academy of Art

«El que a Graham-Dixon le llevara una década investigar y escribir este lúcido y fascinante libro es una muestra de la profundidad de sus indagaciones, la destreza de su análisis histórico y artístico y la hábil fluidez con la que está expresado. Se trata de una proeza poco común.»
Publishers Weekly

Una crónica sobre el final de la Unión Soviética y la nueva Rusia que emergía en los años noventa.

Rusia, 1991. Tras el período de glasnost (apertura) y perestroika (reestructuración) impulsado por el último líder soviético, Gorbachov, la Unión Soviética se disuelve. Andrew Solomon viajó a Rusia a principios de los años noventa para presenciar los enormes cambios que experimentaba el país.

Solomon analizó en este artículo la situación de la sociedad rusa, radiografiando con agudeza a las nuevas generaciones: artistas avant-garde, hombres de negocios y banqueros, miembros de la mafia rusa, políticos con nuevas ideas... Su idea era retratar el país en un momento en el que se encontraba inmerso en una profunda transformación. El autor descubrió una sociedad divida entre el deseo de adoptar ideas occidentales (democracia, capitalismo) y el empeño por mantener los valores soviéticos. La desafiante decadencia de la joven Rusia ofrece un retrato revelador de los eventos que sacudieron Rusia a finales del siglo veinte.

Se han escrito muchos libros sobre diseño, todos con el propósito de dar a conocer esta disciplina creativa desde diferentes perspectivas. Unos han privilegiado las imágenes, el resultado final del diseño. Otros, en cambio, la palabra, la teoría y los conceptos de la creatividad. Parecía difícil hablar de diseño desde un nuevo enfoque. En este libro, ilustres diseñadores exponen el proceso que les llevó a producir algunos de sus diseños más emblemáticos. Cómo los plantearon, qué decisiones tomaron, cuáles fueron las etapas hasta alcanzar el resultado final. Una reconsideración del proceso creativo que sólo puede hacerla quien la ha vivido.

Andrés Barba recupera aquí toda la audacia y libertad narrativa de maestros del género biográfico en una obra sobre la identidad, la paternidad, y los límites entre la narración histórica y la mera ficción.

En 1881, sin hablar una palabra de inglés y con cuarenta mil dólares procedentes de una estafa de valores, el arquitecto valenciano Rafael Guastavino viaja a Nueva York con intención de patentar allí la técnica medieval de la bóveda tabicada. Pero ese accidentado viaje –que culmina en su participación en edificios tan emblemáticos como Grand Central Station, la catedral de Saint John the Divine o el puente de Queensboro– es algo más que la enésima versión del cliché del «sueño americano». Guastavino es la demostración palpable de hasta qué punto una identidad arquitectónica nacional puede nacer de un modo completamente aleatorio e inesperado.

Andrés Barba recupera aquí toda la audacia y libertad narrativa de maestros del género biográfico como Aubrey, De Quincey, Schwob o Borges en una obra de no ficción especulativa acerca de la identidad, las dificultades de la paternidad y, sobre todo, de los difusos límites entre la narración histórica y la mera ficción a la hora de construir nuestros ídolos nacionales.

Libro que reúne lo mejor de los escritos de Andrés Caicedo sobre cine, muchos de estos publicados en Ojo al cine, la revista que él mismo fundó en los años setenta.

Las reseñas que escribió Andrés Caicedo sobre cine no son convencionales, de hecho nada en su vida lo fue. Como la literatura, el rock y la salsa, el #séptimo arte# también era esencial para su existencia y uno de sus referentes constantes. El cine en sí mismo era un personaje y cada película que Caicedo veía se convertía en una obsesión. De ahí que los comentarios que componen este volumen sean pasionales, vibrantes y a la vez, sorprendentemente eruditos.

Gracias a un laborioso trabajo de compilación realizado por Luis Ospina y Sandro Romero Rey, el libro Ojo al cine da a conocer la obra crítica de Caicedo y la cinefilia de una generación.

Más de tres décadas después del suicidio de su autor, estos textos siguen despertando interés y todavía contagian la emoción del autor por el cine.

La biografía de unos de los cantautores más emblemáticos de la música
popular uruguaya.

¿Quién es realmente Fernando Cabrera? ¿Cómo es el hombre detrás del artista? ¿Cuáles son sus desvelos, sus obsesiones, sus amores y desamores? ¿Cómo lee el pasado? ¿Qué piensa del futuro?

Fernando Cabrera es un referente ineludible de la cultura popular uruguaya. Su particular estilo para cantar, su lírica personalísima, su modo de tocar la guitarra, forman parte de la banda sonora de la vida de varias generaciones, dentro y fuera de fronteras.

En este libro, escrito por Andrés Pampillón y Jorge Temponi a partir de innumerables charlas cómplices con el protagonista, se logra desvelar al verdadero Fernando. Un Fernando que ilumina la obra de Cabrera.

Conocerlo es también conocernos un poco a nosotros mismos.