Un ensayo vehemente e iluminador sobre los ritmos de la modernidad y el modo en que el arte se rebela contra ellos.

Si el culto moderno a la velocidad consagró la técnica como adelantada de un promisorio porvenir y alumbró la primera vanguardia, el futurismo, el nuevo siglo parece habernos sumido en un desalentador presentismo, un presente embriagado de presente incapaz de anticipar el mañana.

La expansión del consumo, con sus ritmos cada vez más acelerados de producción y obsolescencia, y la revolución digital, con sus redes de conexión instantánea y su frenesí de demandas, han comprimido la experiencia en un tiempo devorador, un tiempo sin tiempo. No sorprende que la escasez de tiempo esté en el centro de la colonización maquínica de la vida cotidiana en la era digital, y en las crecientes alertas de científicos y pensadores sobre los cataclismos ambientales que el hombre mismo ha desatado y que amenazan su supervivencia en el planeta. Pero el arte y la literatura no se resignan. Quieren salir de la monocronía obligada, desvelarla, transformar el tiempo perdido del consumo disciplinado en experiencia estética del tiempo recuperado. Contra la ficción global del tiempo único y la historia del arte lineal, también los relatos críticos que hoy las convocan quieren recuperar el espesor caleidoscópico del presente y la soberanía de lo anacrónico. «Sólo a través del tiempo», escribió T. S Eliot, «el tiempo se conquista.»

Las obras de artistas y escritores del siglo XXI que Graciela Speranza reúne en este ensayo vehemente e iluminador renuevan sus medios y sus formas en cronografías singulares hechas de imágenes, ficciones, objetos y presencias que rizan el tiempo, lo pliegan, lo expanden, lo desaceleran. Invierten o enloquecen la flecha del tiempo, se liberan de la tiranía de los relojes, tensan la duración del presente o componen constelaciones con restos de otros lugares y otros tiempos. La constelación mayor que las alberga deja que las obras mismas guíen el relato y el pensamiento, y que en las figuras que componen se perciban las luces y la oscuridad de nuestra época. Aspira a que cada una brille con su propia intensidad en una nueva cartografía imaginaria que desconoce otras cotas y fronteras.

¿Qué hace que una obra dramática sea buena? ¿Cómo se relaciona una obra dramática con la vida cotidiana? Para David Mamet, uno de los ideólogos contemporáneos más carismáticos y comprometidos con la creación artística, el teatro con mayúsculas satisface la necesidad humana de ordenar el mundo. Una buena obra dramática lleva al protagonista a invocar frente al público, en el escenario y a través del propio personaje, la fuerza para continuar en la lucha por existir. El autor considera inherente a la naturaleza humana la necesidad de dramatizarlo todo: “Nuestra comprensión de la vida, nuestro propio drama se resume en tres partes: Había una vez... Pasaron los años... Y un día”. Los ensayos contenidos en Los tres usos del cuchillo actúan como un elocuente recordatorio de que las vidas privadas se componen de pequeñas escenas de tragedia y comedia que sólo tienen sentido como parte de una obra dramática que es la propia biografía en su conjunto. Lleno de toques autobiográficos, David Mamet proporciona en este libro las claves para detectar el teatro tramposo y autocomplaciente que defiende la sociedad mediática occidental. En su conjunto, Los tres usos del cuchillo es una llamada al arte y a las armas, un manifiesto que nos recuerda el poder singular de la obra dramática para mantenernos sanos, cuerdos y humanos.

p>Stanislavski comenzó a redactar lo que sería El trabajo del actor sobre sí mismo en 1909, aunque la obra tardaría casi treinta años en ver la luz. En 1920 el Teatro del Arte de Moscú realizó una larga gira por Estados Unidos, causando una profunda impresión en crítica y público. Algunos editores norteamericanos propusieron entonces a Stanislavski publicar un libro sobre su historia y la forma de preparación de su compañía. De este modo, interrumpió la obra que tenía entre manos para escribir Mi vida en el arte, concluida en 1925. Por fin, a mediados de 1937, Stanislavki se avino a poner punto final a El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia, que se editaría en 1938, poco tiempo después de la muerte de su autor, aunque en una versión totalmente revisada por él. El pedagogo ruso dividió su obra en dos partes: El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia, el texto que presentamos, dedicado a la preparación del actor previa a la construcción de personajes, y una segunda parte, titulada El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, que aborda la interpretación de papeles concretos. Por desgracia, este segundo volumen carece de una redacción final supervisada por el autor y ha sido publicado con el orden que a cada editor le ha parecido más coherente. En esta obra, Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi interpretación resulte creíble?, ¿cómo mantener la atención del espectador sobre lo que ocurre en escena y hacerle creer en la ficción de la obra?

Uno de los ejercicios de crítica artística más inteligentes, detallados e iluminadores de nuestro tiempo.

En Volver la mirada, Félix de Azúa reúne los ensayos sobre pintura y arquitectura que ha escrito en los últimos veinte años, alguno de ellos inéditos hasta el momento. Desde la pintura rupestre y el arte clásico hasta la crisis del romanticismo, las vanguardias y el problema del arte contemporáneo, o lo que se ha denominado filosóficamente «el arte después del arte», he aquí un recorrido interpretativo, ambicioso, ameno e ilustrativo, de un gran intelectual que medita en torno al enigma de lo que llamamos Arte.

«Para mí, y creo que, para todos nosotros, ha llegado el momento de volver la mirada sobre nuestros antepasados para acercarnos a su sabiduría [...] El mundo entero está en una situación de extremo peligro y la sabiduría de los muertos nos hace mucha falta. Ojalá mis torpes aproximaciones sirvan para algo.»
Félix de Azúa

Cuando se habla de Diseño Industrial se presupone la existencia de modos de producción mecanizada y una preocupación por las formas basadas en dicha tecnología. Sin embargo, muchos de los conceptos o acciones que forjaron la Revolución Industrial –las ideas de tipo y modelo, la necesidad de la organización laboral para la optimización de la producción, la invención y construcción de máquinas que ayuden al hombre en sus tareas–se remontan a varios siglos atrás. Fundamentos del Diseño Industrial traza una serie de urdimbres temáticas que recorren la historia, desde la Antigüedad hasta el siglo XX, con el propósito de explicar las complejas motivaciones que permitieron a los hombres construir el mundo de la máquina y crear el vasto universo del Diseño Industrial.

Viñetas que cuestionan el estigma y prejuicio respecto a la soledad y los imperativos sobre emparejarse.

Las mujeres de estas viñetas son, como en Señorita buena presencia, indecisas y contradictorias, nunca dejan de cuestionar las convenciones y estereotipos impuestos sobre las mujeres. En esta ocasión, el tema central de las viñetas son todos los feroces estigmas sobre la soledad, la sola, la soltera, la no-madre y la mirada que propone es exactamente el lugar inverso al que la sociedad le ha atribuido. Las solas aquí gozan sus espacios, su libertad, sus tiempos y sus decisiones. También las dudan y las cuestionan a ratos. Una mirada entrañable y genial sobre las convenciones de las mujeres en la adultez, con el humor siempre irónico y desfachatado de Bernardita Olmedo.

Un fantástico recorrido por el detrás de escena de las películas y series que marcaron tu historia, de la mano de Lucas Baini.

Seguramente guardás recuerdos imborrables de tu infancia, viendo tus series animadas favoritas o de las películas y series que marcaron tu adolescencia. Tal vez, te preguntaste miles de veces, cómo se crearon, qué hacían los actores detrás de escena, cómo los eligieron... Bueno, ¡llegó el momento de descubrirlo! Lucas Baini te cuenta todos los secretos y las curiosidades más insólitas del backstage.

Los Desesperados podrían ser la próxima leyenda del rock mexicano, todo lo que necesitan es un poco de suerte y que el asteroide que se dirige hacia la Tierra no impacte en ella. Entre fiestas, conciertos, decepciones amorosas , cultos apocalípticos y avistamientos de ovnis , la banda descubrirá que lo más difícil no es alcanzar la fama, sino mantenerse unida.En su travesía para convertirse en el mejor grupo del universo, Los Desesperados se cruzarán con un singular desfile de personajes: un obsesivo fan, un roadie con una extraña maldición, una maestra de yoga que cautiva a todo aquel que la ve y una versión miniatura de un Principito que se parece a Cerati.La primera novela de Joselo Rangel retrata el mundo del rock de la forma en que sólo el guitarrista de Café Tacvba podría hacerlo: con irreverencia, sentido del humor y, sobre todo, una potente narrativa con gran ritmo.