Bryan Magee ofrece un sustancioso acercamiento al joven Wagner y a sus primeras óperas. A partir de ahí, el autor enfoca su interés en estudiar y exponer la influencia de la filosofía en las óperas del músico; para ello, analiza las repercusiones que tuvieron filósofos como Schopenhauer y Nietzsche en el pensamiento del compositor, y cómo se reflejó esa influencia, de manera especial, en obras como Tristán e Isolda, Los Maestros cantores, El anillo del nibelungo y Parsifal. El libro explora además la existencia de numerosos símbolos y otros elementos de culturas orientales en las óperas de Wagner.

Rodrigo Martínez Baracs presenta la historia del descubrimiento de bibliógrafos del siglo XIX del Opera medicinalia. Henry Harrisse y Joaquín García Icazbalceta fueron los primeros en tener la noticia de la existencia de un texto fechado en 1546. La rareza del hallazgo encendió la curiosidad de los bibliógrafos, que inmediatamente harían todo lo posible por conocer el origen de este libro perdido. La historia detrás de la obra muestra los engaños burlas y rumores que enfrentaron las bibliografías decimonónicas en su esfuerzo por reunir textos novohispanos.

¿Cómo sería la Historia del Arte si la contaran sus verdaderas protagonistas?

Reinas, amantes, lolitas, prostitutas, actrices, trapecistas, bailarinas... hasta no hace mucho en la Historia del Arte las mujeres solo podían ser modelos. Profesionales como Kikí de Montparnasse en las fotografías de Man Ray o musas por azar como Victorine Meurant, la Olympia de Manet, que luego competiría con él. Íconos de las vanguardias como la alocada Henrietta Moraes, que inspiró a Bacon y Lucian Freud o la surrealista Claude Cahun, quien en 1930 proclamó: "Neutro es el único género que me viene bien".

De la sonrisa de la Gioconda al color de la piel de Cleopatra, la cabellera de la Venus de Botticelli o el vello púbico de la vagina que pintó Courbet a pedido de un erotómano turco ?y que Lacan escondería en un doble muro de su estudio?, el misterio de sus identidades y aspectos obsesionó a ladrones, moralistas y académicos. Sus rostros y sus cuerpos pautan hasta hoy un ideal de belleza.

Modelo durante décadas, Teresa Arijón da vuelta esa Historia del Arte en este libro excepcional e inclasificable. Erudito y caprichoso, es a la vez novela, ensayo, retrato y una crónica que va de la charla con una desenmascarada Guerrilla Girl en Nueva York, a las noches de bares porteños donde se encontraban las poetas, de la irrupción de Las Yeguas del Apocalipsis en Santiago a seguir por Río el rastro evanescente de Maria Bethânia.

Entre la inmovilidad de la pose y los inevitables cambios físicos, La mujer pintada es también un registro sensible y sensual del paso del tiempo que permite que la autora invierta los roles y sea la modelo la que retrata a su artista.

La crítica ha dicho...

«Había que esperar a la pluma inigualable de Teresa Arijón para que la Historia del Arte encarnara, por fin, en sus verdaderas musas. Las modelos. Con sensibilidad inusual y coraje, Arijón ilumina el cuadro completo y trae no ya a las que posaron, sino a la legión venusina de las que fueron, las que son.»
Julián López

«Diga lo que diga, pensar en ella no me traiciona: la naturaleza de su mundo resulta de una mezcla de inteligencia y necesidad: un trabajo sensible, una sensibilidad tan seria como sus exhaustivas investigaciones, incluso las más serenas como este libro. ¿Qué le dice la belleza que todavía es su secreto?»
Arturo Carrera

«En La mujer pintada el mundo se vuelve materia desnuda. A la mujer mirada, mientras posa, se le revelan con toda naturalidad el refucilo de la belleza, la piel y el filo de los colores, el sol y las sombras de la historia de la pintura, el relámpago del deseo, la risa de la erudición. ¡Ay, la gracia! La alquimia verbal con la que Teresa Arijón se sienta frente al caballete y hace memoria. Y aquí nos deja con algo que deseábamos, pero desconocíamos, un fulgor, un libro en el cuerpo, una nueva felicidad.»
Mercedes Araujo

«París era una fiesta a la sombra de las guillotinas ornadas con flores de lis. Heme aquí, el rico argentino, azul zafiro de la cabeza a los pies. En traje de noche, imantado, con los guantes en la mano y una gardenia en el ojal. Proust à la Blanche, impávido, melancólico. Me arreglo el moño con desgano (debe quedar algo desprolijo, fortuito, vano). Enciendo la pipa de la dicha y contemplo a La mujer pintada.»
Alfredo Prior

La esperada nueva novela de María Gainza: una enigmática y fascinante historia de falsificadores en el mundo del arte bonaerense.

Esta es una novela sobre falsificadores y falsarios, con personajes reales que parecen de ficción. La narradora, una crítica de arte que trabajó para una tasadora por cuyas manos pasaban obras falsificadas, relata una historia singular, aunque advierte: «No esperen nombres, estadísticas, fechas. Lo sólido se me escapa, solo queda entre mis dedos una atmósfera imprecisa, técnicamente soy una impresionista de la vieja escuela. Además, todos estos años en el mundo del arte me han vuelto un ser desconfiado. Sospecho en especial de los historiadores que con sus datos precisos y notas heladas a pie de página ejercen sobre el lector una coerción siniestra. Le dicen: “Esto fue así.” A esta altura de mi vida yo aprecio las gentilezas, prefiero que me digan: “Supongamos que así sucedió.”»

En el centro de la trama hay un personaje llamado la Negra, que falsifica lienzos de la pintora Mariette Lydis, retratista de la alta sociedad bonaerense, y tirando de ese hilo aparece otro artista del fraude, Federico Manuel Vogelius, falsificador de obras de Pedro Figari. Aparecen también un lugar llamado Hotel Melancólico en el que viven varios artistas, y una película de culto sobre beatniks bonaerenses en la que asoma la Negra, figura escurridiza donde las haya...

Esta es una novela sobre el arte y la vida, sobre el engaño y la manipulación, sobre la realidad y la ficción, sobre lo vivido y lo contado; una narración sinuosa, enigmática y envolvente que seduce y atrapa. Tras deslumbrar a la crítica con El nervio óptico, María Gainza vuelve a tomar el mundo de la pintura como punto de partida y despliega de nuevo su inusitado talento en una obra magnética.

Santiago Auserón explora las raíces negras de la música española y de su propia obra con Radio Futura y como Juan Perro.

Este libro es un fascinante viaje a las raíces secretas y los orígenes recónditos de nuestra música. Siguiendo el hilo del pasado, Santiago Auserón –cantante del mítico grupo Radio Futura después reconvertido en el trovador Juan Perro– descubre la pervivencia de la negritud en la tradición musical española.

Este es un periplo que nos lleva por África, Persia, al-Ándalus, América, la Nueva Orleans del jazz, La Habana del son cubano, los tangos africanos… Ritmos presentes y rastreables en nuestras canciones, desde los cantos populares del Siglo de Oro hasta el rock, pasando por el flamenco o la rumba. Lo que se nos propone es una exploración musicológica de gran ambición y originalidad, y al mismo tiempo también una suerte de autobiografía, ya que plantea un recorrido por las influencias y las vivencias del propio autor.

Auserón hace descubrimientos y aportaciones sorprendentes, con una erudición siempre amena y un discurso directo, impregnado de vivacidad y ritmo. Gracias a todo ello, este texto, publicado en 2012, se ha convertido en una obra ineludible y muy estimulante sobre los albores de nuestra música. Esta tercera edición incorpora correcciones a las anteriores y se convierte por tanto en la definitiva.

Descubre cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias.

La pregunta más repetida en relación con el arte de nuestra época es fruto de la perplejidad: ¿qué significa? Pues su principal y revolucionaria característica es el rechazo a la tradición. ¿Cuál es, entonces, el fundamento de ese arte que ya no busca imitar selectivamente la realidad para plasmar su belleza? La respuesta es la libertad. El ejercicio de ésta implica no aceptar determinación dogmática ni canon preestablecido alguno. Esto explica por qué, todavía hoy, se discute no el valor de una obra, sino qué es el arte. Como el resto de los valores de nuestra época, se rige por el tiempo, cuyo fundamento es el cambio. Probablemente nunca llegaremos a una formulación definitiva acerca del significado del arte, pero ello no nos priva de la experiencia y, por lo tanto, del saber derivado de la historia de esa aventura.

En esta obra, Francisco Calvo Serraller analiza cuáles han sido los principales cambios y movimientos del arte contemporáneo desde su nacimiento, en el siglo XVIII, hasta las últimas tendencias. Esta nueva edición, para la que el autor ha escrito un «Epílogo a modo de prólogo» y que está profusamente ilustrada, aportará a los conocedores una síntesis clara de arquitectura, pintura, escultura, fotografía y cine, que permitirá ordenar conceptos, y a los profanos una clave para acercarse a este apasionante tema.

Ropa de hombre ofrece una perspectiva atractiva y actual de esta área de la moda. Para ello, examina la evolución sociohistórica de la ropa de hombre a través de las distintas épocas y la influencia de la corte en ellas, así como la impronta que los estilos de la indumentaria mercantil y militar han tenido en nuestra vestimenta contemporánea. El libro repasa la complejidad de la historia de la moda, cómo la indumentaria masculina ha servido de inspiración a la ropa de mujer y viceversa y aborda el tema de la sastrería tradicional masculina, comparando las tradiciones sartoriales de Savile Row, en Londres, con la sastrería tradicional italiana o con el look universitario estadounidense. Dedica también una atención especial a la ropa deportiva de hombre y al impacto que causó la aparición del tejido denim. El libro incluye también entrevistas con estilistas y diseñadores de marcas contemporáneas, que proporcionan puntos de vista diversos sobre los diferentes estilos y modelos de rol masculino y su influencia en la ropa de hombre del siglo XXI. Mediante una gran variedad de imágenes inspiradoras y con la contribución inestimable de especialistas en ropa masculina, este libro estimula el interés por este fascinante campo de la moda y permite una mayor apreciación de las numerosas tecnologías y tradiciones que forman parte de su proceso de diseño.

El color es una potente herramienta de venta. Es el primer elemento que llama la atención del consumidor desde el escaparate. ¿Cómo deciden una marca o una tienda la paleta de colores más adecuados para sus productos? ¿Cuál es el proceso por el que los diseñadores, los equipos de desarrollo de productos y los responsables de compras eligen los colores? ¿Y de dónde proceden esos colores? La respuesta está en la predicción del color que consiste en el proceso de anticipar las orientaciones de color y tendencias para todo el espectro de productos de moda y sectores afines. La función de la predicción del color es investigar, anticipar y, finalmente, interpretar el color, de forma que ayude a diseñadores, desarrolladores de productos y vendedores a elegir colores que resulten atractivos al consumidor y potencien las ventas de un producto. Este libro examina la predicción del color explorando cómo y por qué se desarrollan las paletas para las temporadas y ofrece ejemplos prácticos de cómo funciona este sector: desde la elaboración de una paleta hasta la teoría del color o las relaciones entre los colores. Una guía práctica que resultará de gran interés para estudiantes de diseño de moda, desarrollo de productos o marketing y promoción de moda, ya que analiza las herramientas para desarrollar combinaciones de estudio, así como las habilidades y metodologías necesarias para elaborar una paleta de color que conecte con los deseos y necesidades del consumidor.

Largamente esperada, esta nueva edición revisada y actualizada de Las medidas en la arquitectura (Col·legi Oficial d'Arquitectes de Catalunya, 1983) insiste en el carácter atipológico del contenido y continúa dando vigencia al método seguido para fijar las medidas en arquitectura: partir de las dimensiones del ser humano, del alcance de sus gestos y del equipo y mobiliario involucrados para determinar los ámbitos de las actividades que, en la arquitectura cotidiana, pueden resumirse en tres grupos: estancia, circulación y almacenamiento. Con un claro repertorio de medidas, fácilmente asequible e identificable, seguido de un elenco de actividades con su mobiliario y equipo y un listado de objetos medidos en consonancia, este manual constituye una herramienta de consulta básica tanto para estudiantes como profesionales.

Por un lado, nos parece obvio que hay que trabajar fuera de las estructuras profesionales y disciplinarias; por el otro, no es tan fácil hacerlo. A menudo los esfuerzos colaborativos se ven obstaculizados por divergencias de lenguaje y de terminología, ni qué decir por modos de pensar y trabajar distintos. Las secciones “colaborar” aparecen tres veces en este libro, en parte para reforzar la idea de que la colaboración es un aspecto esencial del urbanismo ecológico.

Una primera serie de textos breves, escritos por profesores de distintos departamentos y escuelas de la Harvard University, intenta resaltar no solo los puntos en común en las aproximaciones a la ecología, sino también sus diferencias. En “Colaborar II” Amy C. Edmondson, profesora de la Harvard Business School, señala que existen investigaciones que demuestran que los esfuerzos colaborativos entre personas similares tienen más éxito que aquellos entre grupos diversos. Es necesario un liderazgo fuerte para coordinar dichos esfuerzos, así como respeto recíproco y que se reconozcan los diferentes lenguajes y formas de trabajo. A todos los que contribuyeron a la tercera sección se les pidió que hablaran brevemente sobre la sostenibilidad desde su propia disciplina. Los textos se han dispuesto alfabéticamente para generar un orden temático arbitrario que resalte no tanto las similitudes como las divergencias entre los distintos métodos. Varios de los textos en esta sección tratan sobre la relación entre la sostenibilidad y los diferentes estilos de vida.

En conclusión, el urbanismo ecológico tiene múltiples voces.

Comisariar a escala urbana implica entablar una relación activa y simultánea con el diseño, así como con la gestión de varias ecologías medioambientales, sociales y políticas. En la selección de los proyectos para el frente marítimo de Singapur de Herbert Dreiseitl se combinan estrategias de gestión del agua con sus usos recreativos y programas ecológicos. Dreiseitl ha desarrollado un plan innovador para comisariar los recursos acuíferos de la ciudad, haciendo que las aguas residuales sean un activo. De un modo parecido, en Bombay, Anuradha Mathur y Dilip da Cunha se preguntan si los monzones anuales no son acaso un activo, más que un inconveniente, que podría producir una forma urbana radicalmente distinta. El trabajo de Mitchell Joachim y sus colaboradores sugiere formas de aunar diseño y gestión: “Nos sumamos a quienes dan a la ciudad un sentido nuevo que favorece el juego de la naturaleza sobre el capricho antropocéntrico [...]. Estas iteraciones del diseño tienen éxito cuanto activan la ecología como símbolo productivo y como artefacto evolucionado”. Comisariar tiene que ver con incubar. En palabras de Raoul Bunschoten, como se verá más adelante, debemos ser comisarios y artistas, y tratar el planeamiento urbano como una obra de arte que “crea nuevas realidades y conforma visiones de futuro con las que la gente pueda implicarse en cuerpo y alma”. El comisariado es un recurso creativo no solo para actuar y gestionar, sino también para el diseño.