Julio Llamazares reconstruye la película de una época que fue el preludio de su vida.

«La pregunta no es si hay vida después de la muerte; la pregunta es si hay vida antes de la muerte.»

Existe un momento en la vida de todos en el que la memoria se ilumina de repente. Basta un puñado de fotos, un aroma, una canción, para que las compuertas del pasado más lejano dejen paso a esas imágenes que, como ocurre en el cine, permanecían ocultas en la cabina de nuestra memoria.

En Escenas de cine mudo, Julio Llamazares decide reconstruir a través de ellas la película de una época que fue el preludio de su vida. Desde la intimidad de una voz en off y a medias entre el recuerdo y la imaginación, le devuelve así la vida a un tiempo que solo existe ya como ficción.

Este libro reúne por primera vez la obra fotográfica sobre el peronismo realizada por Pinélides Aristóbulo Fusco, quien trabajó en el equipo de la Subsecretaría de Informaciones del Gobierno Nacional entre 1948 y 1955.

Fusco trabajó, entre 1948 y 1955, en el equipo de la Subsecretaría de Informaciones del Gobierno Nacional creada por Apold. No sólo se le encargó registrar la actividad política del gobierno peronista (actos, eventos, sesiones del Congreso y visitas oficiales), sino la obra pública que había que documentar y difundir (puentes, asilos, escuelas, barrios). Pero también retrató como nadie la intimidad del matrimonio de Perón y Eva, al ganar su confianza para ingresar en esos espacios privados de la pareja.

Escrito por su nieto, el periodista Matías Méndez, con el aporte de la mirada de Marcos Zimmermann en el trabajo con el archivo familiar inédito y el público, Fusco. El fotógrafo de Perón reúne las mejores imágenes sobre el peronismo de este artista excepcional.

«Fusco fue el primero en transitar por el mundo del periodismo gráfico y el del arte sin las contradicciones que a veces parecen enfrentar a esos universos. Pareciera que, para él, la fotografía era una sola. Que el sentido último era mostrar el mundo que le tocaba con el mayor arte posible y, además, hacerlo con verdad e integridad.»

Marcos Zimmermann

Diego Scott, productor y testigo privilegiado, reconstruye la vida de Fernando Peña y propone recordar a un tipo con un talento descomunal que rompió las estructuras de la radio, el teatro y la televisión de la mano de La Mega, Palito, Roberto Flores, Sabino, Dick Alfredo, Milagritos y Martín Revoira Lynch.

A través de la memoria de sus amigos y colaboradores, Diego Scott, productor y testigo privilegiado, reconstruye la vida de Fernando Peña y sus entrañables e inolvidables criaturas. Nos propone recordar a un tipo con una capacidad de observación descomunal que le permitió desarrollar su inmenso talento. Los excesos, la generosidad, la droga, el sexo y la inteligencia fueron solo la punta del iceberg de una personalidad absolutamente sensible que cambió y rompió con todos los formatos de la radio, el teatro y la televisión de la mano de La Mega, Palito, Roberto Flores, Sabino, Dick Alfredo, Milagritos y Martín Revoira Lynch.

Como dice Sebastián Wainraich en el prólogo, este libro permite "visitar a Fernando Peña. Sentirlo vivo de nuevo. Traerlo un rato de la muerte para recordarnos que Fernando fue real y que todo lo que pasó y nos pasó con él fue de verdad".

Lleno de nostalgia, el libro pone en primer plano nuevamente la voz de Peña y la intimidad de sus últimos días por esta vida que no le resultó fácil: "La gente gay tiene que actuar mucho. Es muy difícil: tu madre te rechaza, tu padre te hace problema, la sociedad, los amigos... entonces tenés que actuar de varias cosas".

Una amistad epistolar entre dos escritores exiliados que unen lazos gracias a los concursos literarios.

Sensini, es el cuento que inicia la obra Llamadas telefónicas, de Roberto Bolaño. Es la historia de la amistad entre dos escritores, nacida de la admiración y el respeto mutuo. La búsqueda del reconocimiento y la lucha por salir de la pobreza a través de la escritura son las claves que enmarcan este característico relato.

La crítica ha dicho...
«De Roberto Bolaño me gusta todo, sus grandes, inmensas novelas, pero también los relatos cortos.»
Pedro Almodóvar

La novela gráfica del año en más de 100 listas de Europa y Estados Unidos.

Premiada con 2 Ignatz, 3 Eisner, 1 Guinigi, 1 ACBD Gran Prix, 1 Carlos Giménez, 1 Premio de los Libreros de Madrid, 1 Premio del Cómic Aragonés. Premio al mejor Cómic Internacional del Salón Internacional del Cómic de Barcelona 2019.

Un cómic que ya se ha convertido en un clásico moderno.

Esta es la historia de Karen Reyes, una peculiar niña de diez años que vive en la oscura Chicago de finales de los sesenta. Lleva un diario gráfico que refleja su pasión por las películas de terror de serie B y la iconografía de las revistas pulp de monstruos. Se retrata a sí misma como una niña-lobo vestida de detective y, como tal, se propone un día resolver el misterio que rodea el asesinato de su bella y enigmática vecina del piso de arriba, Anka Silverberg, una superviviente del Holocausto.

Mientras Karen investiga el crimen, veremos pasar las vidas fascinantes e interconectadas de todos quienes la rodean: su hermano Deeze, cuyo alistamiento a Vietnam es inminente y a quien tortura un secreto del pasado; su madre Marvela, una mujer impredecible que ha sacado adelante a una familia parcialmente disfuncional; Sam Silverberg, el Rápido, baterista de jazz recién enviudado; el Sr. Gronan, casero del edificio y mafioso a tiempo parcial; Sylvia Gronan, esposa de este y conocedora de los secretos de la comunidad; el Sr. Chugg, un ventrílocuo de extrañas costumbres; y el extraño y conmovedor catálogo de amigos de Karen, reales e irreales a partes iguales.

Cuando las pesquisas de Karen se ramifiquen hasta llegar a la Alemania nazi, va a manifestarse claramente cómo pueden converger lo personal y lo político, el pasado y el presente, y cómo incluso el bien puede albergar una porción de lo monstruoso.

Lo que más me gusta son los monstruos es una explosión narrativa sin precedentes que ya ha encumbrado a su autora entre los grandes maestros contemporáneos del cómic.

Críticas:
«Una obra maestra estremecedora en su gráfica y evocadora en su narración, que posee un nivel de profundidad e introspección que otras novelas gráficas no podrían mantener.»
Pablo Delgado, ABC

«Emil Ferris [...] en vez de renunciar a sus sueños, empezó una rehabilitación que, una década después, la llevó a finalizar una de las novelas gráficas más importantes de los últimos tiempos.»
Álvaro Colomer, El Mundo

«Una fascinante novela gráfica trepidante y llena de sorpresas que combina las referencias a las películas de terror de serie B con un viaje a la oscuridad de la Alemania nazi.»
Nacho López Llandres, Cadena SER

«400 páginas de desbordante banquete visual (que imita un diario infantil escrito en cuadernos pautados de espiral) y un festival temático, resuelto con múltiples soluciones gráficas, para degustar con calma y repetir buscando guiños y detalles.»
Anna Bella, El Periódico

«Es una historia con muchos temas, con un montón de historias dentro de historias. [...] Y es un canto a la igualdad.»
Jesús Giménez, La hora del Bocadillo, RTVE

«Con unos cuantos bolis Bic y grandes dosis de imaginación, Emil Ferris construye una obra para el recuerdo.»
Sergio Fernández Atienza, Zona Negativa

«Una novela trepidante y repleta de sorpresas. Logra el difícil arte de mantener el equilibrio entre un dibujo espectacular y un estilo literario genial.»
Chicago Tribune

«Una historia rica en texturas y repleta de tramas oscuras, [...] un inesperado caballo ganador surgido de la nada.»
The Washington Post

«Una primera novela gráfica donde rebosan los secretos y los apetitos que sobrevuelan la infancia. Con un dibujo feroz, de trazo expresionista, Ferris transmite toda la dureza de su ciudad natal.»
The New York Times

«Un libro monstruoso, en el mejor de los sentidos.»
Alison Bechdel

«Cautivadora, ambiciosa, única sin lugar a dudas.»
Chicago Magazine

«Un reto visual que trastoca tu cerebro hasta proporcionar una experiencia literaria extraordinaria que aborda temas de identidad racial, sexual, cultural, profesional y de clase, y lo hace con aplomo y perfección estética. El hecho de que esta sea la primera novela gráfica de la autora no es sino otro de los muchísimos aspectos que te dejarán estupefacto. Bienvenida al canon, señora Ferris.»
Vulture

«Luna llena para esta historia. La niña lobo lesbiana que protagoniza la obra hace que el cómic tenga grandes dosis de transgresión.»
Antonio Rivas, Moon's Corner

«Una de las obras de autor más profundas, ambiciosas y logradas que haya aparecido en cualquier medio y en cualquier arte en esta década. Rara vez se han conjugado tan armoniosamente palabras y dibujos al servicio de una historia tan fluida y compleja.»
Forbes

«Lo que más me gusta son los monstruos es como una manta de lana tejida en casa: rara, insólita, hecha con amor y cuidado, con devoción. Es imposible no amar este libro. Ah, sí, y encima Ferris es una rotulista como la copa de un pino.»
The Comics Journal

«Me cuesta definirla con otra palabra que no sea espectacular.»
Anika entre libros

«Una trepidante novela gráfica que es una revolución.»
Blanca Del Guayo, Fundación Telefónica

«Toda una dama del Noveno Arte.»
Raúl Martín, Es la hora de las tortas

Una obra clave para comprender la historia de las ideas estéticas y de la teoría del arte.

Publicado por primera vez en 1982 y merecedor del Premio Nacional de Ensayo en 1983, Lo bello y lo siniestro es un texto imprescindible para comprender la historia de las ideas estéticas y de la teoría del arte.

Mediante el análisis de obras diversas -desde las pinturas renacentistas de Sandro Botticelli hasta la célebre película Vertigo de Alfred Hitchcock- el genial filósofo valora la evolución histórica de dos categorías estéticas opuestas, lo bello y lo siniestro, para descubrir lo que ambas tienen de sublime. Eugenio Trías persigue y consigue incansablemente para ofrecer al lector uno de los ensayos más descollantes de nuestro tiempo.

Esta nueva edición de Lo bello y lo siniestro ha sido revisada y actualizada por su autor y analizada, en un magnífico prólogo, por Vicente Verdú.

La crítica ha dicho...
«Ha sido esa ruta vital en pos de hallar una solución al problema de la verdad, la que ha situado a Trías en la vanguardia del último pensamiento europeo.»
El Mundo

«Eugenio Trías se acercó a la perfección formal y filosófica en estas páginas.»
Rafael Narbona, El Cultural de El Mundo

El riquísimo universo creado por Shakespeare analizado en clave filosófica, atendiendo los pocos datos biográficos del más grande de los mitos literarios y el enorme efecto que su obra tiene todavía en la Humanidad.

Con la finalidad de pensar a la filosofía desde afuera de su propia historia, Tomás Abraham se propuso buscar un camino extradisciplinario, un "otro" tangencial al circuito filosófico: la literatura. ¿Quién mejor que William Shakespeare, considerado el emblema universal literario, un poeta y dramaturgo que además actuó, produjo y dirigió sus obras, para dar forma a este desafío?

Con desenfado, Abraham avanza sobre el enigma de la vida de Shakespeare mientras analiza las estéticas con que diferentes directores de cine y de teatro representaron sus obras, y el modo en que cada época recibió esas representaciones. Aquí, Shakespeare se replica y esconde en sus personajes y en los dramas a pesar de sus infinitos intérpretes. La inasibilidad del Bardo de Stratford-upon-Avon está emparentada con un fantasma que se presenta en Lear, Shylock y Hamlet, un espectro que es voz y rostro, una sombra que gime y se queja por su destino. La ingratitud, la traición y la venganza configuran el escenario de las pasiones y de cuerpos en acción.

La prosa irreverente y erudita de Abraham hace de Shakespeare, el antifilósofo un libro original, una máquina narrativa que combina semblanzas, historia política, cine, teatro, psicoanálisis, literatura y, por supuesto, filosofía.

La historia oral y coral definitiva del rock argentino: a través del testimonio de sus grandes protagonistas -de Charly, Fito y Spinetta a Cerati, Prodan, Vicentico, Ciro, Pity, Litto Nebbia, Lebón, Javier Martínez y 70 figuras más-, registrado a lo largo de numerosos programas producidos para la televisión de los años 80 por Daniel y Josi García Moreno, toma forma un relato extraordinario.

Pocas personas han hecho tanto por documentar el origen y el devenir del rock rioplatense -una historia que abarca ya más de cinco décadas- como los hermanos Dany y Josi García Moreno. A través de numerosos programas televisivos (Rocanrol, La Cueva, Quizás porqué), y documentales como 30 años de rock nacional, fueron creando un registro audiovisual extraordinario.

En las voces de decenas de artistas entrevistados para esas producciones y transcriptas en este libro, hoy toma forma una mirada múltiple y diversa sobre el movimiento y las circunstancias que debió atravesar en un mundo de inestabilidad institucional, prejuicios y grosera censura.

Una versión posible de qué es el rock argentino.
El relato coral de una historia única.

«A lo largo de décadas, Dany y Josi García Moreno y Eduardo Berti grabaron a todos, desde los pioneros hasta las nuevas generaciones. Realizaron reportajes memorables de enorme valor histórico y confesiones increíbles. Si alguien se tomara el trabajo de desgrabar, ordenar y dar forma a ese material, sería un libro formidable. Por suerte, Dany y su sobrina Majo (productora y periodista) se animaron a encararlo. Y este es el resultado».
Marcelo Fernández Bitar

«Hay algo fascinante en este collage: cada una de las voces habla desde un lugar diferente y desde un tiempo distinto. No solamente este libro no se hizo desde hoy, sino que se hizo desde múltiples pasados, lo que depara una suerte de caleidoscopio móvil (...), una banda sonora documental sobre la banda sonora musical de más de una generación. Una apasionante carambola a dos bandas».
Eduardo Berti

«Cuando apareció el rock en castellano fue un impacto extraordinario: ¿Cómo? ¿Se puede cantar rock en español?».
Javier Martínez

«Para nosotros naufragar era quedarnos de bohemia hasta las 8 o 9 de la mañana. Aparecía la gente que se iba a trabajar, que recién se levantaba, y nosotros que no nos habíamos acostado siquiera, éramos los sobrevivientes del naufragio».
Litto Nebbia

«Esa época, los años 70, era peligrosa y linda. Yo escuchaba la sirena y ya me ponía contra la pared porque pensaba que siempre era para mí. (Pero) nosotros éramos imparables, teníamos una misión».
David Lebón

«Yo creo en las cosas que transforman y creo que, de alguna manera, con mi música he transformado algunas pautas».
Spinetta

«Creo que los fans de Los Redondos no tienen la más puta idea de qué hablan las letras. Y así y todo, las cantan y se emocionan. Es el poder del arte».
Lito Vitale

«(En la música de Charly García) escuchás que la alegría no es solo brasilera por primera vez en la historia argentina. Porque parece que el único pulso vital que ha tenido Argentina ha sido el de la guerra, la sangre, las peleas estéticas y la tragedia. Y en Charly eso aparece como una cosa novedosa... la alegría. Es la idea más importante que veo en Charly y posiblemente en el rock».
Fito Páez

Las memorias del Indio Solari, creador y líder de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota, desde sus orígenes en Paraná hace 70 años hasta hoy, atravesando la historia de sus bandas disco por disco, sus comienzos, sus influencias, su independencia militante, su compleja relación con los medios, sus polémicas, y su presente personal y artístico.

La primera autobiografía completa y en primera persona de Carlos Alberto "El Indio" Solari (Paraná, 1949), fundador junto con Skay Beilinson de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. Mediante el recorrido de su vida y una obra (sus influencias y sus temas) que lo convirtió en icono de la escena contracultural del rock argentino, nos acercamos al contenido de sus letras y sus melodías, sus ídolos, la relación con su público y con la prensa (su renuencia a aparecer en medios masivos), con sus compañeros de bandas y también con los músicos de su generación. Atravesando su trayectoria junto a los Redondos hasta la disolución en 2001; la historia de los cuatro discos que grabó con su nuevo grupo, Los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, y su presente -ahora que ha aceptado hablar públicamente sobre su enfermedad-, el Indio, el artista militante del NO-TELEVISIÓN, lo cuenta todo.

AS MEMÓRIAS DE AI WEIWEI, UM DOS MAIS IMPORTANTES ARTISTAS E ATIVISTAS DA ACTUALIDADE

Ambicioso e intimista, 1000 ANOS DE ALEGRIAS E TRISTEZAS oferece-nos um conhecimento profundo das várias forças que fizeram da China o que ela é hoje e é, ao mesmo tempo, um alerta para a necessidade urgente de proteger a liberdade de expressão.

Em 1000 ANOS DE ALEGRIAS E TRISTEZAS, Ai Weiwei oferece-nos uma descrição impressionante da China dos últimos 1000 anos ao mesmo tempo que reflecte sobre o seu processo artístico. Além de explorar as origens da sua criatividade fora de série e das suas apaixonadas convicções políticas, Weiwei revela ainda a história do seu pai, Ai Qing, outrora o poeta mais influente da China e companheiro próximo e íntimo de Mao Tsé-Tung. Durante a Revolução Cultural Chinesa, Ai Qing foi considerado de direita e condenado a trabalhos forçados. Toda a sua família, incluindo o filho, foi desterrada para uma parte remota e desolada do país a que chamavam «Pequena Sibéria». Nas suas memórias, Weiwei descreve uma infância no exílio e conta-nos a difícil decisão de abandonar a família para ir estudar Arte nos Estados Unidos, onde se tornou amigo de Allen Ginsberg e encontrou em Marcel Duchamp e Andy Warhol uma inspiração. Com honestidade e sageza, descreve o seu regresso à China e a sua ascensão de artista desconhecido a estrela da cena artística internacional e activista pelos direitos humanos - sem esquecer a forma como o seu trabalho tem sido moldado pela vivência sob um regime totalitário.

As esculturas e instalações de Ai Weiwei já foram vistas por milhões de pessoas em todo o mundo e um dos seus feitos arquitectónicos inclui a sua contribuição no desenho do Estádio Olímpico "Ninho de Pássaro", em Pequim. O seu activismo político pô-lo desde cedo na mira das autoridades chineses, o que culminou numa detenção secreta em 2011 e que viria a terminar, ao fim de alguns meses, numa libertação sem qualquer queixa formal apresentada. Ambicioso e intimista, 1000 ANOS DE ALEGRIAS E TRISTEZAS oferece-nos um conhecimento profundo das várias forças que fizeram da China o que ela é hoje e é, ao mesmo tempo, um alerta para a necessidade urgente de proteger a liberdade de expressão.

Uno de los máximos referentes del freestyle, último campeón argentino de la Red Bull, cuenta su historia.

La historia de Lucas comienza en Glew, su ciudad natal, en el Conurbano bonaerense. Nacido en el seno de una familia trabajadora, empezó de muy joven a apasionarse por el arte callejero, el grafiti y la música. Las batallas en el emblemático Halabalusa le dieron un nombre: Klan. Luego vino El quinto escalón, la competencia de freestyle que marcó un antes y un después en Argentina; decenas de trofeos ganados en competencias nacionales e internacionales; la FMS y, por supuesto, la Red Bull, la competencia más importante, que se convirtió en uno de los objetivos principales de su carrera.

Recientemente consagrado campeón argentino de la Red Bull, después de muchos años de esfuerzo, preparación, discos, viajes y búsquedas, Klan repasa el camino que lo trajo hasta aquí: sus comienzos, el nacimiento de una pasión que le cambió la vida y las decisiones que tuvo que tomar para concretar sus sueños sin traicionarse a sí mismo.

En bastantes ocasiones, la respuesta habitual a la estupefacción que causan en los públicos algunas obras de arte contemporáneo, es la frase “Esto lo hago yo”. Esta afirmación invisibiliza gran parte del proceso, muchas veces largo y complejo, que conlleva la realización de una obra de arte. La respuesta “Esto lo hago yo” no solo alude al imaginario del artista genio, sino también a cómo se ha venido enseñando el arte en la escuela, muchas veces, mediante actividades puramente manuales, en tiempos cortos, en ausencia de un pensamiento que sostenga la práctica e, increíblemente, poco creativas. Este libro intenta visibilizar cómo ha cambiado el paradigma de le enseñanza del arte en la escuela: las residencias de artistas. Mediante esta metodología, las artes han empezado a percibirse como procesos largos, colaborativos y complejos que tienen un impacto profundo en la realidad social. Este libro pretende dar a conocer algunas de las residencias que se han llevado a cabo en centros educativos del ámbito español en la última década, y que son buena muestra de la pluralidad de planteamientos y desarrollos que han tenido a través de diferentes programas, tales como “Resistències artístiques”, “EN RESiDENCiA”, “Periferias escolares”, “Aquí trabaja un artista”, “Levadura. Programa de residencia de creadores en escuelas”, “Intraescolar”, “Claves. Residencia de jóvenes músicos en escuelas” y “Un/a artista viene a vernos”. Son las voces de artistas, docentes, alumnado, profesionales de la mediación y de la gestión cultural las que se recopilan en esta obra; reflexiones y experiencias que inciden en la dimensión colectiva de estas residencias, haciéndolas más ricas, complejas y transformadoras.