Recuperamos la más controvertida biografía de John Lennon.

El 8 de diciembre de 2010 se cumplen treinta años de un hecho que conmocionó al mundo entero: el asesinato de John Lennon.

En su día, Las muchas vidas de John Lennon fue criticada por los fans incondicionales del artista, pues aquí se muestra el lado oscuro del hombre que cantaba Imagine y hablaba de un mundo sin paraíso y sin infierno, mientras su vida y la de su compañera Yoko Ono estaba muy lejos de esta idea idílica de un mundo donde todos podían vivir en paz. Las dudas sobre su propia identidad y el abuso de drogas atormentaron a John Lennon, y su carrera artística estuvo plagada de momentos duros, que la prensa ocultó para no dañar la imagen del ídolo.

Después de entrevistar a más de mil personas y tras seis años de trabajo, Goldman consiguió un retrato a cuerpo entero de un hombre que con sus letras y su música fue el símbolo de una generación que aún se veía capaz de convertir los sueños en realidad.

Yoshi Oida vierte sus enseñanzas teatrales -en las que conjuga la tradición oriental junto a su experiencia occidental de más de treinta años como actor y director en Europa- en El actor invisible. Se trata de un libro de referencia teatral, traducido a más de cinco idiomas, en el que Oida, ayudado en la redacción por Lorna Marshall, enseña al lector a alcanzar un estado actoral en el que el público no note la presencia del actor como tal, sino solo como mediador de la experiencia que le hace vivir. Para ello ofrece ejercicios teatrales que llevan a alcanzar ese estado de “invisibilidad” necesario.

Estelibro es un manual completo y, como tal tiene carácter divulgativo y desíntesis. Está dirigido especialmente a aficionados y amantes de historietas ócomic. En él se podrá acceder a una información relevante sobre el mundo de loscómics. El texto proporciona al lector la información necesaria para comprendery diferenciar los estilos, de las viñetas de los maestros y para percibir labelleza de sus creaciones artísticas. Su contenido tiene tan sólo la humildepretensión de servir de ayuda y dar consejos basados en mi experiencia profesional, obtenida durante más de cuarentaaños entre investigaciones autodidactas, exposiciones de pinturas, cómic,restauraciones, creaciones publicitarias y docencia y la publicación de mistres libros anteriores, el primero: Esencial, Narciso Casas. Muestra sus obrasy secretos en las artes plásticas, el segundo: Técnicas y Secretos en Dibujo -Pintura y Restauración y el tercero: Historia y Arte en las Catedrales de España, todos ellos publicados en laEditorial Bubok Publishing, S. L. Este libro me ha ocupado un tiempodeterminado en su realización, lo he llevado a cabo con un notable esfuerzo.Estoy convencido de que ha merecido la pena llegar hasta su terminación y podermostrar de manera documentada todo el arte que hay en el 9 º Arte.

CLICHE: 127 páginas con 60 imágenes y textos de temática homosexual.(Del fr. cliché).1. m. Tira de película fotográfica revelada, con imágenes negativas.2. m. Lugar común, idea o expresión demasiado repetida o formularia.El proyecto Cliché surge de estas dos acepciones sacadas del diccionario de la RAE (Real Academia de la Lengua Española), y que curiosamente se mezclan dando forma al trabajo fotográfico completo de los artistas Sergio Huerta y Sara Manglano, compuesto por 60 imágenes en blanco y negro repletas de erotismo y verdad.Un cliché, en muchos casos, no es sólo una idea común demasiado repetida. Si no que en la mayoría de ellos se dota a esta palabra de un significado tan negativo, que el individuo o grupo que lo sufre evita vivir su propia realidad a causa de esa idea preconcebida o imagen que se tiene de él. Se pierde en unfalso concepto. La estética transgresora y atrevida de las fotografías del libro, así como el estilo crítico a la vez que cercano y desenfadado de sus textos, que cabalgan entre lo emotivo y divertido de las situaciones más cotidianas, desmontan muchos de los clichés impuestos a la comunidad gay y lésbica llevándolos a su propio extremo visual.Al finalizar el libro, el lector descubrirá que estas acepciones surgen de una cierta veracidad, pero no lo son tanto en realidad. La negatividad del cliché depende no tanto del significado de la palabra en si, sino de lo que cada individuo le aporte.Sergio Huerta & Sara ManglanoMadrid 2015

Partiendo de conceptos básicos (¿qué es una escena?, ¿qué es una secuencia?, ¿cómo lograr el clímax de un acto?, ¿cómo lograr el clímax de una película?) McKee muestra el misterio de las estructuras, explica las características de cada género, define la importancia de la ambientación, la diferencia entre la caracterización y la realidad de un personaje, en suma, todo aquello que hace que un guión destaque por encima de los demás.

Ilustrado con muestras de guiones clásicos (Casablanca, Chinatown, etc), McKee analiza cómo está construida cada escena para que funcione y, lo que es más importante, por qué funciona.

Por su profunda comprensión de los mecanismos que mueven las historias y su original método de enfocar la redacción de guiones, El guión constituye una herramienta imprescindible para todo aquel que quiera llevar una idea a la pantalla. En los seminarios que Robert McKee imparte por todo el mundo se han gestado algunos de los guiones de las películas más premiadas de Hollywood. El autor es además consultor de productoras como Tri-Star y Golden Harvest Films.

Quincy Jones, Diane Keaton, Gloria Steinem, Julia Roberts, John Cleese y David Bowie son algunos de sus célebres alumnos, mientras que series como Friends, Barrio Sésamo, M. A. S. H., Ally McBeal y Cheers por citar algunas, han surgido de sus clases de redacción de guiones. Algunos ejemplos de películas que deben su existencia a McKee son, El hombre elefante, Forrest Gump, Gandhi, Leaving Las Vegas, Toy Story, El show de Truman, Un pez llamado Wanda, entre otras.

Verdadero y falso es una granada de mano en forma de libro, diseñada para dinamitar el teatro pretencioso y deshonesto que se practica hoy en día. Sunday Times

Publicado en 1998 por primera vez, Verdadero y falso se ha convertido en un título de referencia para el actor y el creador actuales, que a menudo, se encuentran atrapados entre su propio oficio y el negocio del espectáculo. Este libro se dirige al actor de una forma tan sincera como irreverente, Arremete contra las vacas sagradas de la interpretación -especialmente contra los valedores del método Stanislavski y los agentes del negocio teatral- y propone en cambio nuevas formas de valorar y acercarse a un personaje, de trabajar un texto, de enfocar los ensayos y las audiciones y de sobrevivir, con la máxima cordura, en el negocio de la interpretación conservando y protegiendo tanto la dignidad personal como el compromiso actoral.

Mamet apela al coraje que requiere mostrarse en escena como acto en sí, sin añadidos, y disecciona, con su mordacidad habitual, las razones por las que un actor no debe asistir ni a escuelas ni a cursos de interpretación. Desbancando los lugares comunes, proporciona a la vez una valiosa orientación para que el actor pueda sacar lo mejor de su oficio.

¿Será verdad que escuchar a Mozart hace más inteligentes a nuestros hijos? ¿Por qué hay siempre música clásica ambiental en los restaurantes de lujo? ¿Es verdad que a las vacas les gusta la ópera y a los tiburones, Barry White? Darwin pensaba que nuestros antepasados utilizaban la música para el cortejo y que era esta la que más tarde llevaba a las palabras. Otros creen que la música tiene el mismo papel en la evolución que un delicioso pastel de chocolate: ninguno. Pero una cosa sí que es cierta: todos escuchamos música y tiene un efecto distinto en nuestro humor. Pero entonces ¿cuáles son exactamente los mecanismos por los que la música nos proporciona placer? La ciencia no ha sido capaz de dar una respuesta todavía, pero en los laboratorios la investigación no cesa. Desde los neandertales a Metallica, desde Pitágoras a la neurociencia, este libro nos explica todo lo que las investigaciones más punteras tienen que contar con respecto a nuestra relación con la música y acaba por hacernos un certero retrato del nacimiento de una nueva ciencia.

Considerado el «séptimo arte», el cine ha sido y sigue siendo uno de los medios de comunicación de masas más importantes. Desde la primera función en el sótano del Grand Café des Capucines de París hace algo más de cien años, hasta las grandes superproducciones de Hollywood que dominan las pantallas del mundo, el cine ha sido técnica e industria, entretenimiento y vehículo de expresión de ideas y sentimientos.

Partiendo de estas consideraciones y estudiando la labor de reconocidos directores, el filósofo y psicoanalista Slavoj Zizek, profundo conocedor del universo cinematográfico y de la influencia de los medios de comunicación en la sociedad contemporánea, reflexiona sobre los temas principales de estos maestros y sus motivaciones a la hora de situarse detrás de la cámara.

De la imposibilidad de hacer remakes de las películas de Alfred Hitchcock al pesimismo en la obra de Krzysztof Kieslowski; de la imagen de la mujer, la irracionalidad y la angustia en los trabajos de Andrei Tarkovski y David Lynch a la posibilidad imaginaria o real de desplazarse a través del tiempo y el espacio como los personajes de Matrix, Zizek desarrolla su imaginación crítica y su agudo sentido literario para atrapar al lector con imágenes, ideas y revelaciones que sorprenderán no solo a los buenos aficionados al cine, sino también a todos aquellos que deseen acercarse a los clásicos de la pantalla de la mano de este original y provocador filósofo.

Museos y centros de arte llevan varias décadas inmersos en un proceso de cambio, tratando de transitar desde una concepción más patrimonialista de la producción artística, a otra que busca atender a una diversidad de públicos y de actividades, orientada a la producción de conocimientos y experiencias y hacia un modelo socialmente transformador y más democrático de institucionalidad. En dicho proceso, la educación y la mediación han alcanzado una importancia creciente, como atestigua la creación de departamentos de educación y acción cultural (DEAC). Pero en un contexto de recesión económica y política, su evolución ha venido marcada por distintos obstáculos y contradicciones, teniendo que hacer frente a un modelo turistizador y desarrollista de cultura, a la pérdida de autonomía y deterioro institucional o a la explotación y precarización laboral. Sin embargo, en este tiempo, no solo las instituciones culturales se han visto afectadas por estos diversos cambios, sino también las personas y colectivos que, como profesionales o usuarios, interactúan con ellos. Exponer o exponerse quiere dar cuenta de estas transformaciones en el DEAC del MUSAC de León, que podría ser cualquier otro centro de cultura contemporánea de los que se abrieron en España a comienzos del milenio. Este libro nace, por tanto, del deseo de ofrecer un relato situado de las prácticas y experiencias vividas por las personas y colectivos trabajadores y usuarios del museo, incluidas sus contradicciones, tensiones y malestares, pero también su potencia política. Como afirma Nora Sternfeld, la cuestión no es tanto si la práctica educativa deja suficiente espacio a las contradicciones, sino si esas contradicciones pueden marcar una diferencia tanto en los públicos como en el propio discurso institucional. Son estas diferencias las que han buscado plasmarse aquí para aprender de ellas y apuntar quizá así caminos nuevos para lo que está por venir.