«Este libro será inestimable para todo aquel que desee apasionadamente aprender el arte de la actuación, y para los que necesitamos que nos recuerden los principios del arte al que hemos dedicado nuestra vida». Glenn Close

Con una introducción del actor Kevin Kline presentamos la pedagogía teatral de un detractor del método Stanislavski, Harold Guskin, instructor ahora de la nueva generación de actores norteamericanos. Un título eminentemente práctico en el que se intercalan las experiencias de las grandes estrellas en su aprendizaje con las lecciones del autor. Imprescindible para todo aquél que se forme en las artes escénicas.

«El ciudadano que desarrolla dentro de él al artista que es, aun sin saberlo, puede enfrentarse mejor a las industrias de la palabra, del sonido y de la imagen. El ciudadano que se deja ritualizar en la obediencia se vuelve un ventrílocuo del pensamiento ajeno y un mimo de sus gestos.» Augusto Boal

“Actores somos todos nosotros, y ciudadano no es aquel que vive en sociedad: ¡es aquel que la transforma!” Augusto Boal, Mensaje Internacional del Día Mundial del Teatro, 27 de marzo de 2009.

En La Estética del oprimido (2006), revisada y actualizada por el autor poco antes de su muerte en 2009, Boal fundamenta los principios de su célebre e influyente método –el Teatro del Oprimido– en una estética viva, que descubre en cada ciudadano a un artista y le exhorta a manifestar esa capacidad para rebelarse contra el lenguaje impuesto por los mecanismos del poder.

El arco iris del deseo, un título que presentamos en versión revisada por Augusto Boal, abre una nueva etapa de investigación en la trayectoria de su Teatro del Oprimido, se trata del teatro al servicio de la liberación personal. Partiendo de sus conocidas técnicas teatrales desarrolladas a lo largo de más de cincuenta años contra la opresión social y política -en las que el espectador se torna espectactor pudiendo incidir en la propia escena-, Augusto Boal logra canalizar la energía transformadora de la representación teatral hacia la psicología. El autor parte de la hipótesis de que la opresión, -como él mismo lo expresa-, en muchas ocasiones, se encuentra principalmente en la cabeza de cada individuo, a pesar de que los verdaderos cuarteles de represión policial estén afuera. El arco iris del deseo presenta una parte teórica, donde Boal explica su experiencia de trabajo en talleres teatrales y centros clínicos y otra parte eminentemente práctica donde, mediante la exposición y ejemplos de técnicas prospectivas, introspectivas y de extraversión, el lector encuentra los ejercicios que le permiten enfrentar sus propios miedos y prejuicios internos causantes en muchos casos de las opresiones más esquivas a un primer análisis -como pueden ser la soledad, el miedo al vacío, la incapacidad para comunicarse, por citar algunas- pero no por ello menos lastrantes. Las técnicas que propone Boal resultan, según su propia experiencia, una forma eficaz de liberar al actor. Con El arco iris del deseo, Augusto Boal abre la puerta a una valiosísima propuesta de investigación capaz de conectar la representación teatral y la psicología.

Augusto Boal desarrolló los principios contenidos en Teatro del Oprimido en la década de 1970 en Brasil, en el seno de una renovación cultural en torno a la práctica del arte escénico como una actividad dedicada a la mejora efectiva de la vida de los grupos sociales más desfavorecidos. Fue en esta obra donde Boal articuló el embrión de un método que permitía facilitar el reconocimiento de la naturaleza y origen de las opresiones más profundas para poderlas combatir. Su propuesta es subvertir radicalmente las convenciones que dominan el mundo de la representación, transformando al espectador en protagonista de la acción dramática para que pueda preparar acciones reales que le conduzcan a la propia liberación. Con espíritu brechtiano, de ahí partió la investigación de Augusto Boal que, a lo largo de los años, ha dado como resultado el Teatro Legislativo, el Teatro Invisible, el Teatro Imagen y el Teatro Forum y la práctica teatral en su vertiente terapéutica conocida como El arco iris del deseo. En la Estética del Oprimido, Boal lanza las bases de una Estética que corresponda a las necesidades de los oprimidos, sin copiar las Estéticas dominantes de los opresores.Teatro del Oprimido fue publicado originalmente en dos volúmenes en 1973 -el segundo titulado Juegos para actores y no actores- y pronto se reveló un texto ineludible de referencia, tanto en el ámbito de la creación teatral como en el del activismo político, la psicoterapia, el arte y la educación social. Ahora recuperamos en español una versión revisada y ampliada por su autor.Augusto Boal (Río de Janeiro, 1931-2009), estudió en la «School of Dramatic Arts» de la Universidad de Columbia, en Estados Unidos. Además de director y pedagogo, es autor de varios libros sobre técnica teatral, basados en su propia experiencia, entre los que destacan Teatro del oprimido, germen de sus trabajos posteriores contra la opresión, y Juegos para actores y no actores, ambos publicados en Alba. Su obra ha sido traducida a más de veinticinco idiomas Dirigió durante años un centro de Teatro del Oprimido en París y otro en Río de Janeiro.Augusto Boal ha sido premiado, entre otras instituciones, por la UNESCO, las Universidades de Nebraska, Göteborg, el Instituto de Teatro de Puebla (México), L´Institut de Teatre de Barcelona y, recientemente, ha sido nombrado Doctor Honoris Causa de la Universidad Queen Mary de Londres.

Verdadero y falso es una granada de mano en forma de libro, diseñada para dinamitar el teatro pretencioso y deshonesto que se practica hoy en día. Sunday Times

Publicado en 1998 por primera vez, Verdadero y falso se ha convertido en un título de referencia para el actor y el creador actuales, que a menudo, se encuentran atrapados entre su propio oficio y el negocio del espectáculo. Este libro se dirige al actor de una forma tan sincera como irreverente, Arremete contra las vacas sagradas de la interpretación -especialmente contra los valedores del método Stanislavski y los agentes del negocio teatral- y propone en cambio nuevas formas de valorar y acercarse a un personaje, de trabajar un texto, de enfocar los ensayos y las audiciones y de sobrevivir, con la máxima cordura, en el negocio de la interpretación conservando y protegiendo tanto la dignidad personal como el compromiso actoral.

Mamet apela al coraje que requiere mostrarse en escena como acto en sí, sin añadidos, y disecciona, con su mordacidad habitual, las razones por las que un actor no debe asistir ni a escuelas ni a cursos de interpretación. Desbancando los lugares comunes, proporciona a la vez una valiosa orientación para que el actor pueda sacar lo mejor de su oficio.

«Boal ha conseguido lo que Brecht soñó: crear un teatro útil que resulte entretenido, divertido e instructivo. Es una clase diferente de teatro, una especie de terapia social -centra la mente, relaja el espíritu y proporciona a las personas una nueva perspectiva para su propia situación.»Richard Schechner

«Esta es una útil guía para profundizar en el Teatro del Oprimido de Boal. Hay que dar la bienvenida a su publicación, el trabajo de Boal merece y exige ser imitado.» Theatre Research International

Juegos para actores y no actores se inscribe en el movimiento teatral creado por Augusto Boal conocido como Teatro del Oprimido. Una corriente nacida en la década de los cincuenta en Brasil, en el seno de una renovación cultural generalizada que se desarrolla en torno a un principio esencial: la práctica del arte escénico como una actividad dedicada a la mejora efectiva de la vida de los grupos sociales menos favorecidos. Se trata ante todo de facilitar el reconocimiento de la naturaleza de las opresiones, para poderlas combatir.

El Teatro del Oprimido, corolario de la filosofía del reencuentro entre teatro y sociedad que Augusto Boal ha gestado, requiere para su práctica de un conjunto de ejercicios, más de cuatrocientos, recogidos en Juegos para actores y no actores y dirigidos tanto a actores profesionales como a aficionados. Más allá de sus orígenes teatrales, Juegos para actores y no actores se ha impuesto en todo el mundo como un texto fundamental en diversas actividades humanísticas: psicología, psicoterapia, arte, educación, trabajo social y trabajo político.

En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las técnicas específicas para lograrlos. Así, plantea ahondar en los sentidos físicos y en la propia psicología para ofrecer una buena interpretación, y propone ejercicios que permiten recrear emociones auténticas en escena. Gran conocedora de las dificultades con que se enfrenta un actor al dar vida a un personaje, ofrece también soluciones a dificultades concretas como la forma de recrear el aire libre en la escena, encontrar una ocupación mientras se espera en el escenario, hablar con el público, aprender a usar la imaginación histórica y ser capaz de interpretar personajes de época con auténtica convicción. En definitiva, Uta Hagen ofrece un sinnúmero de ayudas prácticas que han hecho de ella una de las pedagogas más influyentes de Estados Unidos, con alumnos tan destacados como Geraldine Page y Jack Lemmon, y de Un reto para el actor un bestseller en lo que a aprendizaje teatral se refiere.

El riquísimo universo creado por Shakespeare analizado en clave filosófica, atendiendo los pocos datos biográficos del más grande de los mitos literarios y el enorme efecto que su obra tiene todavía en la Humanidad.

Con la finalidad de pensar a la filosofía desde afuera de su propia historia, Tomás Abraham se propuso buscar un camino extradisciplinario, un "otro" tangencial al circuito filosófico: la literatura. ¿Quién mejor que William Shakespeare, considerado el emblema universal literario, un poeta y dramaturgo que además actuó, produjo y dirigió sus obras, para dar forma a este desafío?

Con desenfado, Abraham avanza sobre el enigma de la vida de Shakespeare mientras analiza las estéticas con que diferentes directores de cine y de teatro representaron sus obras, y el modo en que cada época recibió esas representaciones. Aquí, Shakespeare se replica y esconde en sus personajes y en los dramas a pesar de sus infinitos intérpretes. La inasibilidad del Bardo de Stratford-upon-Avon está emparentada con un fantasma que se presenta en Lear, Shylock y Hamlet, un espectro que es voz y rostro, una sombra que gime y se queja por su destino. La ingratitud, la traición y la venganza configuran el escenario de las pasiones y de cuerpos en acción.

La prosa irreverente y erudita de Abraham hace de Shakespeare, el antifilósofo un libro original, una máquina narrativa que combina semblanzas, historia política, cine, teatro, psicoanálisis, literatura y, por supuesto, filosofía.

El sistema Stanislavski es la base pedagógica de la mayoría de las escuelas occidentales de teatro. En 1951 se editó El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, un complemento al libro que el mismo autor, Konstantín Stanislavski, escribió bajo el título El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia (Alba Editorial, 2003). La influencia que ambos libros han tenido en el teatro y en el cine soviético, norteamericano y de muchos otros países ha sido enorme. Este segundo volumen –que tardó más de 20 años en gestarse- representa la ardua publicación, en su momento, de un conjunto de borradores mecanografiados, otros escritos a mano, con anotaciones en los márgenes y con multitud de esbozos. La guerra y la posguerra hicieron aún más difícil la publicación pero finalmente los manuscritos vieron la luz, gracias también a la colaboración de Stanislavski que poco antes de su muerte apartó los manuscritos necesarios para concluir del libro. En El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, actores, directores de escena y cualquier lector ávido de conocer de primera mano el germen de El Método hallará el entrenamiento físico-vocal que Stanislavski propone para poder abordar el personaje. Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de auténtica referencia llega por fin al lector español en traducción directa de su lengua original, tal y como el maestro ruso lo concibió.

p>Stanislavski comenzó a redactar lo que sería El trabajo del actor sobre sí mismo en 1909, aunque la obra tardaría casi treinta años en ver la luz. En 1920 el Teatro del Arte de Moscú realizó una larga gira por Estados Unidos, causando una profunda impresión en crítica y público. Algunos editores norteamericanos propusieron entonces a Stanislavski publicar un libro sobre su historia y la forma de preparación de su compañía. De este modo, interrumpió la obra que tenía entre manos para escribir Mi vida en el arte, concluida en 1925. Por fin, a mediados de 1937, Stanislavki se avino a poner punto final a El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia, que se editaría en 1938, poco tiempo después de la muerte de su autor, aunque en una versión totalmente revisada por él. El pedagogo ruso dividió su obra en dos partes: El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia, el texto que presentamos, dedicado a la preparación del actor previa a la construcción de personajes, y una segunda parte, titulada El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, que aborda la interpretación de papeles concretos. Por desgracia, este segundo volumen carece de una redacción final supervisada por el autor y ha sido publicado con el orden que a cada editor le ha parecido más coherente. En esta obra, Stanislavski aplica su profundo conocimiento de los mecanismos teatrales a responder a la pregunta fundamental que todo actor se plantea: ¿cómo hacer para que mi interpretación resulte creíble?, ¿cómo mantener la atención del espectador sobre lo que ocurre en escena y hacerle creer en la ficción de la obra?

Caída la dictadura, en los #80 se apropió de Buenos Aires un espíritu de renovación radical de las artes que mezcló e involucró desde actores, performers, periodistas, rockers y artistas plásticos en escenarios míticos como Cemento y Ave Porco.

Este libro es una visita a una época que pareciera pasada pero que
continúa vibrante, diseminada por las áreas periféricas de cierta
cultura previsible.
Fueron aquellos tiempos en los que el proceso creativo era resistencia
cultural, donde surgían lugares y personajes con nuevas propuestas y luz
propia. En su caos inspirador, elemental, se expresaron ajenos al sayo
que limita la gran aventura de crear. Los artistas que aquí recordamos
no se han extinguido: el árbol se sigue plantando, aun vecino a la
maleza transgénica anticreativa.
No se trata de recuperar ninguna saga jamás perdida, sino de sumergirnos
por medio del lenguaje en los vestigios que vuelven a ser semilla, donde
ya no llora la Biblia junto a ningún calefón sino que surge vivaz, libre
total y siempre accesible la verdadera risa de una cultura popular, para
deleite de tantos quiméricos sueños nuevamente vueltos realidad.

¿Qué hace que una obra dramática sea buena? ¿Cómo se relaciona una obra dramática con la vida cotidiana? Para David Mamet, uno de los ideólogos contemporáneos más carismáticos y comprometidos con la creación artística, el teatro con mayúsculas satisface la necesidad humana de ordenar el mundo. Una buena obra dramática lleva al protagonista a invocar frente al público, en el escenario y a través del propio personaje, la fuerza para continuar en la lucha por existir. El autor considera inherente a la naturaleza humana la necesidad de dramatizarlo todo: “Nuestra comprensión de la vida, nuestro propio drama se resume en tres partes: Había una vez... Pasaron los años... Y un día”. Los ensayos contenidos en Los tres usos del cuchillo actúan como un elocuente recordatorio de que las vidas privadas se componen de pequeñas escenas de tragedia y comedia que sólo tienen sentido como parte de una obra dramática que es la propia biografía en su conjunto. Lleno de toques autobiográficos, David Mamet proporciona en este libro las claves para detectar el teatro tramposo y autocomplaciente que defiende la sociedad mediática occidental. En su conjunto, Los tres usos del cuchillo es una llamada al arte y a las armas, un manifiesto que nos recuerda el poder singular de la obra dramática para mantenernos sanos, cuerdos y humanos.