Descubre los secretos de la mercería más viral de redes sociales.Esta aventura empieza en A Coruña en 1942, cuando La Crisálida abre por primera vez sus puertas al público. Lo que ha vivido desde entonces este pequeño negocio es difícil de creer: anécdotas curiosas, personajes entrañables y hasta una revolución en redes sociales. La tienda es un testigo vivo de que la pasión y el amor por tu trabajo pueden llegar a contagiar a millones de personas de todo el mundo.Sumérgete en la historia de esta mercería tradicional y conoce sus tesoros y secretos mejor guardados de la mano de Ramón Santos, su actual propietario.

El trabajo del actor sobre su papel continúa y cierra el ciclo iniciado con los otros dos libros de pedagogía teatral de Stanislavski. Los conceptos y argumentaciones expuestos de forma genérica en los volúmenes anteriores se concretan aquí en casos prácticos referidos a tres obras que dirigió el autor en el Teatro del Arte de Moscú: La desgracia de ser inteligente de Aleksandr Griboiédov, Otelo de William Shakespeare y El inspector de Nikolai V. Gógol. Puede decirse que, de la trilogía, este es el libro que de manera más concreta y práctica ayuda a los actores en su trabajo.

Este libro será el gran consejero para los actores y actrices que piensan orientar su carrera hacia el teatro musical y, en este empeño, tendrán que pasar una y otra vez por las temidas «audiciones». Esta práctica recurrente e ineludible es siempre un momento de enorme tensión que pone a prueba la preparación y el temple de los aspirantes. Cómo prepararse para una audición de teatro musical propone recomendaciones sobre la elección de las canciones, los textos, la forma de presentarse, etcétera, que son válidos para cualquier actor o actriz. Hace además un repaso a la historia del musical en sus distintas épocas y de los autores más importantes y sus características particulares para que los aspirantes puedan presentarse a las pruebas con el mayor bagaje posible de cultura y documentación.

Las artes performáticas sometidas a examen crítico por uno de los directores argentinos de mayor prestigio internacional. El rol de arquitectura, artes visuales, artes sonoras y literatura en el hecho teatral; el lugar del director, y las tensiones entre arte y entretenimiento.

En las artes escénicas -como en la vida misma-, los hechos, trascendentes o banales, pasan: apenas se producen son historia.

A diferencia de otras artes, en las que los objetos permanecen prácticamente idénticos a sí mismos y perduran a pesar del paso del tiempo y del deterioro de su materialidad, las artes escénicas son incapturables.

Este libro largamente esperado corre el telón y sube al escenario a todos y cada uno de los aspectos del hecho teatral: de las artes intervinientes (arquitectura, artes visuales, artes sonoras, literatura) al lugar del director, pasando por los interrogantes de una puesta y las tensiones entre arte y entretenimiento.

Rubén Szuchmacher, uno de los directores argentinos más reconocidos en su país y en el mundo, pone en escena una obra única e indispensable: comprender e interpretar críticamente lo que se juega en una producción escénica.

Tan sólido y reflexivo como provocador y polémico, invita a pensar las artes performáticas sin complacencia y, una vez más, como a lo largo de su carrera, despierta un prolongado aplauso.

El Teatro Independiente del Magisterio, luego llamado Tim Teatro, fue un grupo de teatro independiente que desarrolló una intensa labor entre 1958 y 1976. Lo fundaron formalmente en Rosario, jóvenes de entre dieciséis y veinte años, liderados por Carlos E. Mathus, quien sería siempre el director del grupo. En 1960 el TIM inauguró su sala, donde también funcionaron una escuela de teatro y un cineclub. En 1966, migro a Buenos Aires, donde continuó trabajando y luego de presentarse invitado en el VIII Festival Internacional de Teatro de Nancy, Francia, produjo uno de los éxitos mayores del teatro argentino, tanto a nivel nacional como internacional: La lección de anatomía. El TIM fue siempre considerado un teatro de vanguardia. Sus postulados teatrales, inspirados por su director, iban en contra del naturalismo imperante y de muchos conceptos tradicionales del teatro. Sostenía que todos los códigos de comunicación presentes en el teatro estaban a la par del texto, de modo que no reconocía un origen literario para el teatro. En la interpretación, los actores del TIM confiaban más en las imágenes, en los ritmos del habla y en la expresión corporal que en las motivaciones interiores. En sus obras, Mathus y su equipo desecharon las líneas argumentales y todos los rasgos anecdóticos de la puesta en escena. Cuestionaron los mensajes explícitos y hasta las líneas argumentales, prefiriendo presentar escenas sueltas e inconclusas, que el espectador debía completar y secuenciar en su mente. Este libro es la historia del TIM narrada por una de sus protagonistas y presenta un testimonio de la trayectoria del grupo, así como una exposición de sus ideas, algunas de las cuales aún hoy desafían ciertas concepciones del teatro.

«Si queréis aprender mi método, observad el trabajo de Misha Chéjov.» Konstantín Stanislavski

Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl (Michael, en Estados Unidos) Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro, su formación en la Escuela Teatral Suvorin y sus primeros pasos en el Teatro Mali y posteriormente en el Teatro del Arte de Moscú; entra de lleno en su alcoholismo y en sus desequilibrios nerviosos y, sobre todo, en su búsqueda de una nueva forma de actuar que deje atrás los estereotipos naturalistas. Vida y encuentros (1945) se compone de una nutrida serie de recuerdos y anécdotas por los que desfilan personalidades como Stanislavski, Vajtángov, Sulerzhitski, Bieli o Max Reinhardt, de quienes ofrece tanto un retrato personal como una reflexión sobre sus técnicas y procesos creativos. También aquí el empeño por encontrar un nuevo sistema −y una manera de enseñarlo− que permita al actor la «bifurcación de la conciencia», es decir, una forma de observar e interpretar el personaje desde fuera, lejos del recurso stanislavskiano a la «memoria afectiva», ocupa un lugar importantísimo. Tanto uno como otro texto son más que unas memorias: tienen una innegable utilidad en el ámbito de la pedagogía teatral.

Caída la dictadura, en los #80 se apropió de Buenos Aires un espíritu de renovación radical de las artes que mezcló e involucró desde actores, performers, periodistas, rockers y artistas plásticos en escenarios míticos como Cemento y Ave Porco.

Este libro es una visita a una época que pareciera pasada pero que
continúa vibrante, diseminada por las áreas periféricas de cierta
cultura previsible.
Fueron aquellos tiempos en los que el proceso creativo era resistencia
cultural, donde surgían lugares y personajes con nuevas propuestas y luz
propia. En su caos inspirador, elemental, se expresaron ajenos al sayo
que limita la gran aventura de crear. Los artistas que aquí recordamos
no se han extinguido: el árbol se sigue plantando, aun vecino a la
maleza transgénica anticreativa.
No se trata de recuperar ninguna saga jamás perdida, sino de sumergirnos
por medio del lenguaje en los vestigios que vuelven a ser semilla, donde
ya no llora la Biblia junto a ningún calefón sino que surge vivaz, libre
total y siempre accesible la verdadera risa de una cultura popular, para
deleite de tantos quiméricos sueños nuevamente vueltos realidad.

Peter Brook, una de las figuras más relevantes e innovadoras del teatro occidental, pasa revista en este volumen a cuarenta años de su trabajo en el teatro, la ópera y el cine; desde sus primeros montajes en los años cuarenta hasta su memorable versión del Mahabharata. Entre sus muchos éxitos están las producciones de diversas obras de Shakespeare, como El Rey Lear o Sueño de una noche de verano, sus experiencias con el «teatro de la crueldad», que culminaron con Marat/Sade y sus películas en especial El señor de las moscas. En 1970, Brook abandonó la Royal Shakespeare Company para fundar una compañía en París y profundizar en la investigación teatral. Esta iniciativa tuvo como resultado diversas experiencias en Oriente Medio, Asia y África, así como la reelaboración bajo un nuevo prisma de algunas piezas clásicas como El jardín de los cerezos.

En este texto, Brook comparte con el lector sus descubrimientos y sus problemas, haciéndole partícipe de una visión íntima y enriquecedora de algunos de los mayores acontecimientos teatrales del último medio siglo. Un libro que deleitará a los aficionados del teatro tanto como a los profesionales de las artes escénicas.

En este texto, fruto de más de cuarenta años dedicados a la formación de actores, Uta Hagen define los objetivos que debe perseguir un actor y proporciona las técnicas específicas para lograrlos. Así, plantea ahondar en los sentidos físicos y en la propia psicología para ofrecer una buena interpretación, y propone ejercicios que permiten recrear emociones auténticas en escena. Gran conocedora de las dificultades con que se enfrenta un actor al dar vida a un personaje, ofrece también soluciones a dificultades concretas como la forma de recrear el aire libre en la escena, encontrar una ocupación mientras se espera en el escenario, hablar con el público, aprender a usar la imaginación histórica y ser capaz de interpretar personajes de época con auténtica convicción. En definitiva, Uta Hagen ofrece un sinnúmero de ayudas prácticas que han hecho de ella una de las pedagogas más influyentes de Estados Unidos, con alumnos tan destacados como Geraldine Page y Jack Lemmon, y de Un reto para el actor un bestseller en lo que a aprendizaje teatral se refiere.

Rodrigo Martínez Baracs presenta la historia del descubrimiento de bibliógrafos del siglo XIX del Opera medicinalia. Henry Harrisse y Joaquín García Icazbalceta fueron los primeros en tener la noticia de la existencia de un texto fechado en 1546. La rareza del hallazgo encendió la curiosidad de los bibliógrafos, que inmediatamente harían todo lo posible por conocer el origen de este libro perdido. La historia detrás de la obra muestra los engaños burlas y rumores que enfrentaron las bibliografías decimonónicas en su esfuerzo por reunir textos novohispanos.

La puerta abierta nos proporciona una absorbente visión del trabajo de Brook: cómo selecciona las obras que dirige, cómo consigue extraordinarias interpretaciones de sus actores y qué pretende a través del teatro, medio que ofrece en su opinión «la más auténtica metáfora de la vida».

Brillante y provocativa mirada a la acción que transcurre no solo en escena ante los focos sino también entre bastidores, La puerta abierta es una obra esencial para cualquier persona interesada en el teatro, y una elocuente exposición sobre el inestable lugar que ocupa en el mundo actual.

«Peter Brook es uno de los genios artísticos de nuestro tiempo» afirmó el San Francisco Chronicle de este director original y creativo, capaz de combinar la fascinación por lo nuevo con una profunda reinterpretación de las obras teatrales clásicas.

La puerta abierta, digno sucesor de El espacio vacío, está destinado a todos aquellos a los que alguna vez haya emocionado o deslumbrado lo que sucede sobre un escenario.

En 1948 Uta Hagen sustituyó temporalmente a la actriz Jessica Tandy en el papel de Blanche en Un tranvía llamado Deseo en Broadway. Ante las reticencias de Marlon Brando, propuso que ensayaran los cinco primeros minutos para ver si sus interpretaciones encajaban: «¿Por qué funcionó? Los dos estábamos totalmente familiarizados con el lugar, los objetos y las circunstancias. Ninguno fue caprichoso ni egoísta. Ninguno violó las intenciones de nuestros personajes. Las cuatro semanas que siguieron nunca dejaron de ser una aventura». En Respeto por la interpretación, un clásico de la pedagogía teatral desde su publicación en 1973, la actriz se sirve de las obras que interpretó -de El huerto de los cerezos y Tío Vania a Casa de muñecas y ¿Quién teme a Virginia Woolf?— para ilustrar sus principios sobre el arte y el oficio de la interpretación. Se dirige en todo momento al potencial actor de tú a tú, descifrando con él, a través de ejercicios y trabajos preparatorios, las claves de su técnica de la «sustitución», es decir, la identificación con experiencias emocionales y sensoriales que guíen al intérprete hasta conseguir una actuación interiorizada. Este encuentro con uno mismo, «a través de una serie continua y solapada de sustituciones de nuestras propias experiencias y recuerdos mediante el uso de una imaginativa extensión de las realidades», es una de las claves del libro.