Alejandra G. Remón vuelve a las reflexiones íntimas en un libro inspirador para afrontar nuevos desafíos.Este es un cuaderno íntimo sobre lo pequeño, lo cotidiano y todo aquello que permanece. La autora escribe desde los márgenes del ruido, donde aún caben la pausa, la ternura y la observación.Este libro no enseña, sino que acompaña; no ofrece respuestas, sino silencios habitables. En estas páginas Alejandra G. Remón recoge sus pensamientos sin pretensión de consejo, como fragmentos de una conversación con una misma.Cada texto es una respiración: breve, esencial, a veces apenas una línea que deja espacio al lector para completarla. Como en sus cuadernos o anotaciones manuscritas, las palabras se intercalan con imágenes, collages y papeles encontrados: etiquetas, recortes, hojas de cuadernos, polaroids. flores, fotografías veladas o frases para recordar. Lo visual y lo escrito se confunden, construyendo un lenguaje propio que es mitad diario, mitad propuesta visual.Una invitación a la calma y a la honestidad, para mirar la vida desde sus ángulos más recónditos, habitar los días sin urgencia, elegir con cuidado las palabras y aceptar la belleza de no tenerlo todo claro.

Como los de su primera entrega, con la que Victoria León ganó el Premio Iberoamericano de Poesía Hermanos Machado, los poemas de Flores de fuego, escritos entre 2018 y 2022, parten de una poética y unas concepciones estéticas fundamentadas en el clasicismo y la lengua natural, ensayando nuevas formas y tonos. Dividido en cuatro secciones, que dialogan entre sí o con lecturas de Cioran (a quien se debe la metáfora del título), Lucrecio, Nietzsche, Goethe, Marco Aurelio, Zweig, Keats, Breton, Foscolo o Cernuda, el libro tiene la soledad como gran tema común: la soledad como destino humano, pero también como faro desde el que nace e irradia la poesía para iluminarnos y tendernos paradójicos puentes con la vida, o como búsqueda del alma del mundo en el sentido platónico, necesaria para crear y vivir plenamente. La primera parte, inspirada por la sinfonía Séptima de Mahler, la forman poemas que tratan de la noche como símbolo de la existencia, entendida como un camino de exploración y conocimiento. La segunda, escrita durante el confinamiento pandémico, aborda la dialéctica del recuerdo y el olvido, la presencia y la ausencia, la huida hacia dentro y la renuncia serena a lo que acaba, pero también la necesidad de ir al encuentro de los otros. La tercera es una mirada al pasado, una constatación de la identidad heterogénea y cambiante, una pesquisa de las propias huellas a través del afecto y la amistad, la unidad y la plenitud restituidas. Los poemas finales buscan una poesía celebratoria que encuentra en el amor y el deseo otro nombre de la fe y de la esperanza.

Para atravesar los misterios del amor travesti, Camila va armada de su voz de arrope y los amuletos que supo construir en la intensidad de la noche. Algunas veces ama y otras odia, desea y es deseada, mezcla la pena y la dicha en cada uno de los cuerpos sobre los que se derrama. Una vez fecundada, engendra versos carnívoros y plantas dóciles que pueblan los balcones que sus tacos habitan. Enorme forjadora de magia, sólo podemos estirar el cuello desde abajo para verla sangrar, arder y reírse del mundo. Quizás la memoria por los amantes idos sea la que menos duela de todas las que nos ofrenda su escritura, está también la madre alquilada a otra familia, la fatiga del padre en su lucha contra la pobreza, la amada del amante, los amigos muertos. Por momentos quisiéramos blindarla de algunos recuerdos, pero sería como encapsular a una luciérnaga, un parpadeo de la luz más delicada antes de la absoluta oscuridad. Un ser frágil atrapando las palabras que le llegan por el aire libre de la experiencia. El corazón lector que se anime a transitar la belleza salvaje de  La novia de Sandro no podrá salir ileso.  Dolores Reyes

Las dos últimas obras de Lorca.

Cuando Lorca fue asesinado en 1936, estaba en el apogeo de su madurez literaria, como demuestran las dos últimas obras que escribió: Diván del Tamarit y Sonetos del amor oscuro. Una y otra se complementan para dar lo mejor de Lorca: su dimensión popular y la valiente indagación en los claroscuros del deseo, con una claridad y crudeza que nunca antes se había permitido.

Tras estar muchos años fuera de circulación, recuperamos en un solo volumen dos obras fundamentales de la poesía española del siglo XX.

Harold Bloom afirmó que algunos de los mejores poemas del siglo se encuentran en este libro.

La roca es el último poemario de Wallace Stevens, la obra donde se condensa toda la sabiduría del gran poeta norteamericano, quizá el mejor de su tiempo. Cada una de estas composiciones está escrita en las fronteras del silencio y bajo la sombra de la muerte. Son poemas austeros, sobrecogedores, imbuidos de una serenidad y un conocimiento casi póstumos. Y gracias a la minuciosa y espléndida versión de Daniel Aguirre, este libro, por primera vez traducido íntegramente, conserva en castellano la dicción y la música originales.

Un escritor reconocido. Un poeta desconocido.

Este es un libro fruto del desorden y superviviente de las mudanzas, como reconoce Olga Lucas en su introducción a este texto. Después de varios años de un laborioso y exhaustivo proceso de revisión de los documentos que José Luis Sampedro dejó tras su fallecimiento en 2013, aún quedaban algunas cajas por explorar, que albergaban uno de los secretos mejor guardados de su autor. Sabíamos que fue un novelista extraordinario, un prestigioso economista e intelectual, y ahora, gracias a este maravilloso hallazgo, descubriremos que también fue un magnífico poeta aunque muy pocos supieran de su vocación.

La poesía llegó a su vida en un momento clave y supuso el despertar de su voz literaria, una pasión que no abandonó hasta el final de sus días y por la que sentía un enorme respeto. Movilizado en el frente -en ambos- pasó la Guerra Civil siempre acompañado de su diccionario y su libreta, la primera que acogió sus versos sencillos, elegantes y humanos, a la que seguirían otros cuadernos, folios escritos a mano o mecanografiados, corregidos sin cesar a lo largo de toda su vida y guardados en un sobre con la anotación Días en blanco. Este libro reúne cincuenta años de creación inédita y constituye una pieza esencial para entender el legado de su autor. Ahí reside la magia de este afortunado reencuentro con una faceta desconocida de nuestro querido José Luis Sampedro.

«En su poesía está José Luis Sampedro. En estado puro. Con toda su complejidad. Con toda su humanidad. Con todo su compromiso, con su tiempo y consigo mismo. Con toda su genialidad.»
José Manuel Lucía Megías

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Este será mi premio y mi victoria.
Que una tarde, al leerme,
necesites buscar entre las páginas,
una rosa olvidada, que no existe.
Y al no encontrarla, silenciosamente,
te asomes angustiado a la ciudad,
y veas, por vez primera,
que elacero y los hombres son ceniza.
Que la brisa es un río de palabras marchitas.
Que siempre que se mira bien el mundo
se asiste al acabar de alguna cosa.
Y que a pesar de todo,
muy en el fondo, inexplicablemente,
es hermoso ser hombre hacia la muerte.

Reseñas:
«Un feliz rescate que completa el retrato de un lúcido escritor. [...] Para José Luis Sampedro, el poema es una chispa, un incendio en lo cotidiano por el que «aspiramos la vida ansiosamente». [...] Su obra poética es un monumento moral a favor de lo humano, de la vida contemplada como un hecho único.»
Diego Doncel, ABC Cultural

«Lo he leído en estos días, y releído hoy. Es una verdadera delicia, y por momentos sobrecogedor encontrarse con la intimidad de un hombre al que conocí, que me honró con su amistad y que es, en mi experiencia y mi sentir, de largo la persona más importante con la que he tenido trato, y posiblemente la más importante con la que vaya a tener trato jamás.»
Lorenzo Silva

«Un libro hermoso, un poético autorretrato.»
Inés Martín Rodrigo, ABC

Garras del paraíso, de la colección «Poesía portátil», es el reflejo poético de una existencia vivida al límite. Charles Bukowski hunde su lírica en las drogas, el sexo y el realismo sucio de las clases más oprimidas, una desolación que siempre buscó la belleza.

Escritor de culto en toda Europa, Charles Bukowski usó la poesía para describir la depravación de la vida urbana y retratar a las clases más oprimidas de la sociedad norteamericana.

Autor prolífico e icono del realismo sucio, combinó emoción e imaginación con un lenguaje directo y repleto de imágenes violentas y sexuales. Transgresores, sus poemas son el reflejo de su personalidad intensa, resultado de una existencia vivida al límite. Nacido el 1920 en Andernach (Alemania), hijo de un soldado norteamericano y una costurera alemana, Bukowski se trasladó a Los Ángeles junto a su familia siendo todavía un niño. Narrador y poeta, sus textos son casi siempre autobiográficos -protagonizados por él mismo o por su alter ego, Henry Chinasky- y se ocupan del lado más salvaje de la vida con un lenguaje agresivo y descarnado. Bukowski publicó más de cuarenta libros entre recopilaciones de relatos, poemarios y novelas, y falleció en San Pedro, California, en 1994.

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«lo más importante es
saber
atravesar el
fuego.»
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