No hay poema más enigmático, renombrado y oracular en la historia de la literatura que La tierra baldía de T. S. Eliot. Un siglo después, en su centenario, García de Leániz muestra la candente actualidad que el poema encierra en sus versos y el grado de cumplimiento de sus avisos y profecías. Sus principales temas —el desarraigo urbano, la cultura del olvido, la pérdida del sentido del ser, el daño ecológico y el problema de la redención del hombre y mujer actuales— apuntan de lleno a la encrucijada histórica en la que nos hallamos. Y nos sitúan en un estado de alerta sobre el destino crepuscular de Europa, la cultura occidental y el porvenir del humanismo clásico y cristiano.
El libro supone una aproximación fecunda a la famosa obra considerándola como poema-candil que alumbra posibles salidas del laberinto de la modernidad terminal y sus imágenes rotas. Y constituye para nosotros un yacimiento de sentido cien años después para comprender mejor nuestra humana condición, el pasado y el presente, la memoria y el olvido, la desesperación y la esperanza, Dios y su ausencia.

La historia del legendario grupo de artistas y escritores, amigos y amantes, y su influencia en la sociedad inglesa de principios del siglo XX y en las siguientes generaciones.

Virginia Woolf, Roger Fry, J. M. Keynes, Lytton Strachey, Harold Nicolson, Vita Sackville, Duncan Grant... El grupo de Bloomsbury fue un exclusivo círculo de talentos sobresalientes, de intelectuales vanguardistas que destacaron en disciplinas como la literatura, el arte, la economía y la filosofía. Junto con otras figuras de la aristocracia y la intelectualidad londinense, como T. S. Eliot, Bertrand Russell o E. M. Forster, desafiaron la moral victoriana y constituyeron un fascinante clan que Quentin Bell, desde su privilegiada posición familiar, observa en este maravilloso libro.

Quentin Bell (1910-1996) fue un crítico, historiador del arte y escritor inglés, hijo de Vanessa y Clive Bell, dos pilares del grupo de Bloomsbury, y autor, entre otros, de la aclamada biografía de su tía, Virginia Woolf.

Una mirada divertida y reveladora sobre la música que invita a la escucha libre, desprejuiciada y mucho más placentera de cualquier género musical.

Este libro derriba con gracia y brillantez una idea que a menudo nos impide disfrutar abiertamente de ciertos géneros y obras: la idea de «música intelectual», que tan a menudo se interpone entre el oyente y el placer de la escucha. Además, ofrece algunas claves para que cualquiera pueda adentrarse en ciertas músicas supuestamente más impenetrables.

Con un tono cercano, por medio de anécdotas divertidas y reveladoras y empleando un enfoque completamente alejado de lo académico, Peyrou plantea una serie de argumentos en contra de la noción de que ciertos estilos exigen una escucha intelectualizada. El libro, no obstante, desborda ese objetivo y se convierte en una lección sobre cómo funciona la música: cómo piensan los compositores y qué deseos los guían, en qué consiste la innovación y por qué encuentra tanta resistencia entre el público, qué tienen en común los diversos géneros y qué los diferencia, qué actitud es la más adecuada por parte de los oyentes. Relacionando músicas muy variadas (clásica y contemporánea, popular y folclórica, jazz, rock) pero también ideas procedentes del arte, la literatura, la filosofía y la antropología, el autor traza conexiones sorprendentes y propone una manera diferente de escuchar.

La crítica ha dicho:
«Libro a libro, ha renovado los modos del lenguaje y los enfoques de la mirada de una obra poética y narrativa tan personal como extrañamente prodigiosa.»
Antonio Ortega, Babelia

«Esas raras veces en que el ingenio se acompaña de sustancia, el resultado puede ser fascinante. En ese momento es cuando yo dejo de llamarlo "ingenio" y lo llamo "talento".»
Sara Mesa, Estado Crítico

«Su sentido del humor y su controlado gusto por la broma lingüística adquieren un feliz tono propio.»
Nadal Suau, El Cultural

«Innovador, ácido, lúdico, lúcido.»
Ángeles López, La Razón

«Uno de nuestros grandes poetas del lenguaje.»
Vicente Luis Mora, Diario de Lecturas

«Mariano Peyrou me parece un excelente escritor.»
José María Guelbenzu

«Una de las escrituras más personales y sorprendentes del panorama actual.»
Luis Bagué Quíles, Babelia

«Uno de los narradores españoles más inteligentes en el juego con el lenguaje.»
Eugenio Fuentes, La Nueva España

«Dan ganas de anunciarle al lector que esto no es una novela. ¿Y esto es bueno o malo? En el caso del autor madrileño, es bueno. Muy bueno. Endiabladamente inteligente.»
J. Ernesto Ayala-Dip, Babelia, sobre Los nombres de las cosas

«Son muchas las cuestiones existenciales y artísticas que plantea De los otros. Impulsada por un estilo introspectivo, con derivas en el flujo de la conciencia y diálogos con frases inconclusas. Peyrou sobrecoge al lector.»
Francisco Solana, Babelia

«Peyrou da rienda suelta a su aventura lingüística sin que la vanguardia desemboque jamás en gratuidad.»
Juan Andrés García Román, Babab

«No es una novela de humor, y sin embargo es divertida como pocas que haya leído en los últimos años.»
Juan Marqués, La Esfera de Papel, sobre Los nombres de las cosas

El nuevo libro de artículos de Javier Marías.

Una mirada incómoda, certera y brillante sobre la sociedad de hoy.

Este volumen reúne los noventa y cinco artículos publicados por Javier Marías en el suplemento dominical El País Semanal entre el 3 de febrero de 2019 y el 24 de enero de 2021.

«Han caducado los tiempos en que la gente se tomaba en serio la promesa hecha, la palabra dada, que todavía los niños de mi infancia llamaban “palabra de honor”. Somos una sociedad “desenfadada” y además lo tenemos a gala (bueno, en todo lo demás muy enfadada)», dice Javier Marías en uno de los artículos de este libro.

En una época en la que la realidad se muestra insistente, repetitiva y tozuda, el autor invita a sus lectores, en cada una de las piezas recogidas en ¿Será buena persona el cocinero?, a detenerse y reflexionar libremente, sin atender a demagogias ni manipulaciones, sobre los más diversos aspectos del tiempo presente. Y lo hace como lo ha hecho siempre: con valentía, sin concesiones, y con un estilo impecable y un envidiable sentido del humor.

La sociedad actual, olvidadiza y pretendidamente virtuosa, lidia con una opinión pública que se erige como juez intransigente e injusto de todo y todos los que se alejan de los cánones de conducta impuestos en los últimos años. Por ello, defiende el autor, se hace más necesario que nunca mantener un pensamiento crítico. «Tal vez lo malo no sea nunca tanto lo que nos pasa, cuanto lo que nos hacen creer que nos pasa», recuerda que escribió en una ocasión su padre, Julián Marías. Y añade: «Porque lo segundo hoy suena muy grave, y lo primero no lo es tanto, sólo un poco, y a ratos».

La crítica ha dicho:
«Gloriosa frase tras gloriosa frase... ¿Hay en Europa mejor escritor vivo que Javier Marías?»
The Independent

«Marías es sencillamente asombroso.»
Ali Smith

«Quien no lea a Marías está condenado.»
The Nation

«Su mente es profunda, aguda, a veces turbadora, a veces hilarante, y siempre inteligente.»
Edward St Aubyn, The New York Times Book Review

«Una oportunidad para seguir sus razonamientos lúcidos y penetrantes, [...] nunca pomposos ni aduladores. Se trata de fomentar la personalidad y la inteligencia de los lectores, de servirles un trampolín para enriquecerse a pensar sobre lo que no se piensa o no se permite cuestionar.»
Miquel Escudero, CatalunyaPress

EL NUEVO LIBRO DE LUIS GARCÍA MONTERO

UN MITO CON PLENA VIGENCIA, EL DEL DESAFÍO A LOS DIOSES.
UN CANTO DE ESPERANZA EN EL SER HUMANO.

«Es uno de los pocos destinados a la letra grande de la historia de la literatura».
José-Carlos Mainer

«Admiro mucho su capacidad de seguir batallando, de no rendirse en la lucha por cambiar las cosas sin haber caído en la rabia, el resentimiento, la frustración».
Juan Diego Botto

«Se acercó hasta la hoguera, sostuvo la mirada contra el fuego y afirmó lentamente, una vez más: esperemos aún, sigamos todavía».

Vivimos tiempos, como afirma Luis García Montero en este libro, en los que la conciencia del presente nos devuelve a la historia del pasado para fortalecernos en el deseo de resistencia. Y es éste el motivo que ha llevado al autor, a lo largo de los últimos años, a reflexionar desde el ensayo, la poesía y el teatro sobre la actualidad política y social del mito de Prometeo, ese titán que osó enfrentarse a los dioses y les robó el fuego para entregárselo a los mortales y regalarles con él la libertad.

Esta obra reúne los textos de García Montero centrados en la figura rebelde de Prometeo. La pieza central —llevada a la escena por José Carlos Plaza en 2019 en el Festival de Teatro Clásico de Mérida— propone un diálogo intergeneracional entre dos Prometeos: el joven, que duda del acierto de su rebelión dado el castigo que trajo consigo, y el anciano, que desde su experiencia le muestra el triunfo que conlleva siempre buscar el bien común.

En definitiva, Prometeo es un canto esperanzador sobre la humanidad, una lúcida reflexión en torno al poder de la solidaridad, la justicia y la libertad. Aquí, el mito, transformado a la luz de esta existencia convulsa e hiperconectada en la que estamos inmersos, sigue alentándonos hoy a sentarnos juntos alrededor del fuego para contarnos nuestro propio pasado y discutir sobre el futuro que merecemos.

La crítica ha dicho:
«Es uno de los pocos destinados a la letra grande de la historia de la literatura».
José-Carlos Mainer

«Parece capaz de contarnos, y de qué manera, lo que habíamos olvidado que sabíamos de nosotros mismos».
Joaquín Sabina

«Tono sostenido, poderosa nostalgia, emoción delicada que no alza la voz, poesía escueta, ceñida...».
Octavio Paz

«Admiro mucho su capacidad de seguir batallando, de no rendirse en la lucha por cambiar las cosas sin haber caído en la rabia, el resentimiento, la frustración».
Juan Diego Botto

«El mayor referente poético de España, cabeza de generación».
Carmen Rengel, El HuffPost

«García Montero ha defendido unos objetivos de invariable lucidez y ha logrado que su poesía remita con rigor minucioso a sus ideas estéticas. Y eso lo ha aproximado a lo que suele identificarse con un joven maestro».
José Manuel Caballero Bonald

«Siempre ha optado por ser testigo de su tiempo y su poesía ha sido el reflejo de sus inquietudes».
Carmen Sigüenza, Agencia EFE

En este libro Estanislao Zuleta nos lleva de la mano a través de una reflexión crítica sobre el artista y la sociedad moderna, ofreciéndonos claves para pensarnos a nosotros mismos, en tanto los problemas que asumió Franz Kafka son los de nuestra vida. A partir de la Carta al padre, misiva en la cual aquel autor reflexiona sobre la familia y el poder, la oscura huella de la culpa que sobreviene cuando "sin haber hecho nada malo" se transgreden sus normas y sobre todo sus cotidianidades hasta el punto de verse una buena mañana cualquiera convertido en un insecto, como símbolo de la diferencia extrema a que lo llevan las lógicas autoritarias de su progenitor, Zuleta levanta una mirada reveladora sobre qué es ser artista y cómo esa singularidad desconcierta a las instituciones, empezando por la de la familia como tal. Para ello nos ofrece su lectura de diversos cuentos y novelas de Kafka, como el Informe para una academia o Investigaciones de un perro, entre otras obras, donde profundiza en asuntos que expresan la naturaleza de la familia, como la educación, el alimento y el hambre; y nos ofrece elementos para descifrarlos, como el don creativo musical, la libertad, la soledad, el grupo familiar y la comunidad. Con una riqueza expositiva y pedagógica que nos va dejando ante una cátedra conversada sobre lo que es la lectura, el estilo y la interpretación, la escritura y la identidad de este autor, hasta preguntarse y responder lúcidamente: "¿Qué ocurrió con Franz Kafka para que la modernidad actual esté tan expresada en su obra? Kafka vivió en una situación de soledad muy particular, en medio de tres comunidades lingüísticas diferentes a las cuales sí y no pertenecía, que anhelaba y le dolía no pertenecer, y se sentía traidor a las tres. Poseía una lucidez implacable para captar sus propios movimientos en busca de una u otra comunidad, y para criticarlas. Esa soledad tan particular de Kafka fue lo que hizo de él un hombre de la modernidad, como pocos autores pueden serlo: moderno y actual."

Este libro propone un recorrido por textos y autores insoslayables de la literatura latinoamericana contemporánea a partir de la problematización de tres ejes fundamentales en el pensamiento crítico actual: el espacio, el poder y la escritura misma. Si la escritura implica, por definición, la producción de un espacio –tanto material como simbólico–, resulta en última instancia la condición de posibilidad del espacio mismo, entendido no tanto como una superficie ya dada donde tendrían lugar los acontecimientos y los cuerpos sino más bien como resultado de una serie de operaciones –recorridos, marcaciones, organización, delimitación– necesariamente portadoras de relaciones de poder.
De este modo, toda  organización social, cultural, familiar, sexual, lleva implícita una distribución espacial, una asignación de lugares, accesos, prohibiciones y formas de relacionalidad que resultan determinantes en los procesos de construcción de identidades. Inversamente, toda configuración espacial supone demarcaciones, clausuras, cierres, límites, fronteras y estructuras que “ordenan” los cuerpos, distribuyen lugares y habilitan determinados cuerpos a la vez que condenan los desvíos, intromisiones y des-ubicaciones de aquellos “fuera de lugar”.

RESUMEN: Si bien no podía considerarse un cinéfilo, Manuel Bandeira se vio obligado a escribir sobre la gran pantalla para ganarse la vida. Sus contribuciones pueden considerarse hoy, a pesar de su carácter práctico, un original acercamiento al séptimo arte. Su producción periodística ofrece un completo repertorio que comprende críticas de filmes, meditaciones sobre las formas y técnicas propias del cine, y poetizaciones sobre sus estrellas. Su visión del cine comparte con Alfonso Reyes y Jorge Luis Borges algunos aspectos interesantes. Esta aportación se atendrá a tres líneas principales centradas en la mitología naciente, con especial atención a la figura de Greta Garbo: 1) el tratamiento de los mitos femeninos del cine en los tres autores, y el modo en que emplean las referencias a los mitos clásicos para construir los nacientes (por ejemplo, Bandeira compara a Greta con Venus); 2) el doblaje, que fue objeto de preocupación tanto para el poeta brasileño como para Borges; 3) la mitologización de Greta Garbo desde los modelos literarios de la alta tradición, que ejemplifican tanto Bandeira como Alfonso Reyes. Desde un punto de vista teórico-comparativo, se pondrá de relieve el mapa común que se traza entre los escritores latinoamericanos cuando se trata de abordar el cine. Palabras clave: Manuel Bandeira; Alfonso Reyes; Jorge Luis Borges; cine; crítica; mitos; Greta Garbo; literatura latinoamericana. RESUMO: Mesmo que não possa ser considerado um cinéfilo, Manuel Bandeira se viu obrigado a escrever sobre a grande tela para ganhar seu sustento. Suas contribuições podem ser consideradas hoje, apesar do seu caráter prático, uma aproximação original à sétima arte. Sua produção jornalística oferece um completo repertório que compreende críticas de filmes, reflexões sobre as formas e técnicas próprias do cinema, e poetizações sobre suas estrelas. Sua visão do cinema compartilha com Alfonso Reyes e Jorge Luis Borges alguns aspectos interessantes. Esta contribução tratará das três principais linhas centradas na mitologia nascente, com atenção especial à figura de Greta Garbo: 1) o tratamento dos mitos femininos do cinema nos três autores, e a maneira através da qual empregam as referências aos mitos clássicos para construir as nascentes (por exemplo, Bandeira compara Greta com Vênus); 2) a dublagem, que foi objeto de preocupação tanto para o poeta brasileiro como para Borges; 3) a mitologização de Greta Garbo a partir dos modelos literários da alta tradição, exemplificados tanto por Bandeira como por Alfonso Reyes. A partir de um ponto de visto teórico-comparativo, destacaremos o mapa comum que se traça entre os escritores latino-americanos quando se trata de abordar o cinema. Palavras-chave: Manuel Bandeira; Alfonso Reyes; Jorge Luis Borges; cinema; crítica; mitos; Greta Garbo; literatura latino-americana. ABSTRACT: Although he could not be considered a cinephile, Manuel Bandeira was forced to write about the big screen in order to make ends meet. His contribution is considered today, despite its practicality, as an original approach to cinema. His journalistic production offers a complete repertoire that comprises film reviews, opinions on cinematic forms and techniques, and poetization about movie stars. He shares with Alfonso Reyes and Jorge Luis Borges some interesting points of view related to cinema. His contribution shall follow three main points focused on the emerging mythology and with special attention to Greta Garbo: 1) the treatment of female legends of cinema by these three authors and how they refer to classical mythology (e.g. Bandeira compares Greta with Venus); 2) dubbing as a subject of concern for the Brazilian poet as well as Borges; 3) the mythologization of Greta Garbo from the literary models of high tradition, exemplified either by Bandeira or Alfonso Reyes. Under a theoretical and comparative perspective, similarities between Latin American writers when they approach to cinema will be highlighted. Key words: Manuel Bandeira; Alfonso Reyes; Jorge Luis Borges; film; criticism; myths; Greta Garbo; Latin American literature.

 [POR] Muito se tem escrito sobre esses dois escritores brasileiros, cujas obras têm como espaço o sertão, em que o homem é estreitamente vinculado ao gado. Vaqueiros percorrem léguas com a boiada até o local em que os animais são negociados. Neste trabalho, pretendemos comparar o modo como se constrói o percurso da boiada em «O burrinho pedrês» de Sagarana de Guimarães Rosa, com a maneira como Euclides da Cunha, em Os sertões, elabora uma viagem desse tipo. Nos escritos selecionados, tanto Rosa quanto Euclides estabelecem relações inovadoras entre o plano da expressão e o plano do conteúdo, compondo linguagens incomuns. A prosa de ambos pode ser considerada como texto poético, pois, conforme Jakobson, isso ocorre quando a linguagem se volta para si mesma ou traz equivalênciaentre o plano do conteúdo e o da expressão. Pretende-se verificar, por meio da análise de recursos linguístico-literários – como a escolha poética (e, ao mesmo tempo, técnica) de termos próprios da vida do vaqueiro e do gado, o uso de figuras de retórica, a utilização especial da pontuação, entre outros –, a especificidade de cada escritor ao constituir, com o mesmo motivo (uma boiada em marcha), composições em linguagem poética diferentes entre si. 
Palavras-chave: Guimarães Rosa; Euclides da Cunha; linguagem poética; comparação. 

[SPA] Mucho se ha escrito sobre estos dos escritores brasileños cuyas obras proponen el sertón (sertão) como espacio, lugar en el que el hombre está estrechamente vinculado a la ganadería. Los vaqueros recorren leguas con la boyada hasta el lugar de negociación de los animales. En el presente trabajo pretendemos comparar cómo se construye el recorrido de la boyada en «El burrito pardo»1 de Sagarana de Guimarães Rosa, con el modo de elaboración de este tipo de viaje presente en Los sertones (Os sertões) de Euclides da Cunha. En los textos seleccionados, tanto Rosa como Cunha estipulan relaciones innovadoras entre el plano de expresión y el de contenido, componiendo lenguajes inusuales. La escritura de ambos puede considerarse como prosa poética, pues, como Jakobson defiende, ese texto resulta del lenguaje que se dirige hacia sí mismo o que propone la equivalencia entre el plano del conte­nido y el de la expresión. Intentamos verificar, a través del análisis de recursos lingüístico-literarios – como la opción poética (y paralelamente, técnica) de términos específicos de la vida del vaquero y de la ganadería, el uso de figuras retóricas o la utilización especial de la puntuación –, la especificidad de cada escritor a la hora de construir, con el mismo motivo (una boyada en marcha), composiciones con lenguajes poéticos que difieren entre sí.
Palabras clave: Guimarães Rosa; Euclides da Cunha; lenguaje poético; comparación. 

[ENG] A lot has been written about these two Brazilian writers whose works have the countryside as a common element, in which the man is closely bound to the cattle. Cowhands travel miles herding the cattle as far as the place where the animals are negotiated. In this paper we intend to compare how the route of the cattle is constructed in Sagarana’s «O burrinho pedrês», by Guimarães Rosa, with the way Euclides da Cunha in Os sertões, creates a trip of this kind. In the selected works, both Rosa and Euclides establish innovative relations between the plane of expression and the plane of content composing unusual languages. The prose of both writers can be considered poetic texts since, according to Jakobson, this occurs whenlanguage points to itself or when there is equivalency between the plane of content and the plane of expression. The objective of this paper is to verify through the analysis of linguistic and literary resources – such as the poetic choice (and, at the same time, technical choice) of terms that belong to the life of the cowhand and related to cattle herding, the use of rhetorical figures, the special use of punctuation, among others –, the specificity of each writer when composing works in poetic language, based on the same motif (a cattle drive), which are different from each other.
Key words: Guimarães Rosa; Euclides da Cunha; poetic language; comparison

La obra estudia las relaciones intertextuales creadas por el opus lírico de Julio Cortázar. Dichas relaciones se revelan como múltiples y multifacéticas y construyen un campo intertextual en torno a la obra cortazariana que incluye a la poesía simbolista francesa, el relato de Edgar Allan Poe, la poesía de John Keats, la poesía modernista latinoamericana y la filosofía existencialista del siglo veinte. Dichas voces establecen un diálogo con la obra lírica y transgenérica de Cortázar. El estudio ha desarrollado una metodología para la lectura hermenéutica del fenómeno intertextual cortazariano y se propone asimismo como modelo de análisis intertextual para otros estudios semióticos. Aporta una terminología específica para el estudio intertextual.

La prisión del amor y otros ensayos narrativos explora la relación entre la literatura y la vida; propone al lector un viaje por la condición humana a través de la revisión de algunas de las obras más destacadas de la literatura moderna.

De Hernán Lara Zavala, ganador del Premio Real Academia Española.

Un viaje por la condición humana a través del análisis y la celebración de algunas de las mayores obras de la literatura moderna.

La inagotable variedad de la vida es la materia de las obras literarias. (Sin amor no habría polvo enamorado.) Pero lo contrario es igualmente cierto: la literatura alimenta nuestra vida, la modifica, la inventa. El lenguaje con el que contamos y cantamos también nos condiciona.

El autor nos guía por el entramado de epifanías y erotismo de la obra Joyce, por la atribulada vida de Malcolm Lowry, por la estética del fracaso de F. Scott Fitzgerald, por las cercanas distopías Orwell y Huxley, así como por las desembocaduras literarias de Nietzsche. En el camino también aparecen Wilde, Faulkner, Hemingway, Stevenson y Proust, el divorcio entre ciencias y humanidades, la alianza entre alcohol y escritura.

Los ensayos de este libro son paseos, ejercicios de asombro. Constituyen una constelación de afinidades electivas, una galería de espejos donde el autor se reconoce y nos invita a encontrar los puentes secretos entre obras, escritores, motivos, palabras y cosas.