Las artes performáticas sometidas a examen crítico por uno de los directores argentinos de mayor prestigio internacional. El rol de arquitectura, artes visuales, artes sonoras y literatura en el hecho teatral; el lugar del director, y las tensiones entre arte y entretenimiento.

En las artes escénicas -como en la vida misma-, los hechos, trascendentes o banales, pasan: apenas se producen son historia.

A diferencia de otras artes, en las que los objetos permanecen prácticamente idénticos a sí mismos y perduran a pesar del paso del tiempo y del deterioro de su materialidad, las artes escénicas son incapturables.

Este libro largamente esperado corre el telón y sube al escenario a todos y cada uno de los aspectos del hecho teatral: de las artes intervinientes (arquitectura, artes visuales, artes sonoras, literatura) al lugar del director, pasando por los interrogantes de una puesta y las tensiones entre arte y entretenimiento.

Rubén Szuchmacher, uno de los directores argentinos más reconocidos en su país y en el mundo, pone en escena una obra única e indispensable: comprender e interpretar críticamente lo que se juega en una producción escénica.

Tan sólido y reflexivo como provocador y polémico, invita a pensar las artes performáticas sin complacencia y, una vez más, como a lo largo de su carrera, despierta un prolongado aplauso.

El Teatro Independiente del Magisterio, luego llamado Tim Teatro, fue un grupo de teatro independiente que desarrolló una intensa labor entre 1958 y 1976. Lo fundaron formalmente en Rosario, jóvenes de entre dieciséis y veinte años, liderados por Carlos E. Mathus, quien sería siempre el director del grupo. En 1960 el TIM inauguró su sala, donde también funcionaron una escuela de teatro y un cineclub. En 1966, migro a Buenos Aires, donde continuó trabajando y luego de presentarse invitado en el VIII Festival Internacional de Teatro de Nancy, Francia, produjo uno de los éxitos mayores del teatro argentino, tanto a nivel nacional como internacional: La lección de anatomía. El TIM fue siempre considerado un teatro de vanguardia. Sus postulados teatrales, inspirados por su director, iban en contra del naturalismo imperante y de muchos conceptos tradicionales del teatro. Sostenía que todos los códigos de comunicación presentes en el teatro estaban a la par del texto, de modo que no reconocía un origen literario para el teatro. En la interpretación, los actores del TIM confiaban más en las imágenes, en los ritmos del habla y en la expresión corporal que en las motivaciones interiores. En sus obras, Mathus y su equipo desecharon las líneas argumentales y todos los rasgos anecdóticos de la puesta en escena. Cuestionaron los mensajes explícitos y hasta las líneas argumentales, prefiriendo presentar escenas sueltas e inconclusas, que el espectador debía completar y secuenciar en su mente. Este libro es la historia del TIM narrada por una de sus protagonistas y presenta un testimonio de la trayectoria del grupo, así como una exposición de sus ideas, algunas de las cuales aún hoy desafían ciertas concepciones del teatro.

El sistema Stanislavski es la base pedagógica de la mayoría de las escuelas occidentales de teatro. En 1951 se editó El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, un complemento al libro que el mismo autor, Konstantín Stanislavski, escribió bajo el título El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la vivencia (Alba Editorial, 2003). La influencia que ambos libros han tenido en el teatro y en el cine soviético, norteamericano y de muchos otros países ha sido enorme. Este segundo volumen –que tardó más de 20 años en gestarse- representa la ardua publicación, en su momento, de un conjunto de borradores mecanografiados, otros escritos a mano, con anotaciones en los márgenes y con multitud de esbozos. La guerra y la posguerra hicieron aún más difícil la publicación pero finalmente los manuscritos vieron la luz, gracias también a la colaboración de Stanislavski que poco antes de su muerte apartó los manuscritos necesarios para concluir del libro. En El trabajo del actor sobre sí mismo en el proceso creador de la encarnación, actores, directores de escena y cualquier lector ávido de conocer de primera mano el germen de El Método hallará el entrenamiento físico-vocal que Stanislavski propone para poder abordar el personaje. Escrito con el didactismo que le caracteriza, este texto de auténtica referencia llega por fin al lector español en traducción directa de su lengua original, tal y como el maestro ruso lo concibió.

«Si queréis aprender mi método, observad el trabajo de Misha Chéjov.» Konstantín Stanislavski

Este volumen reúne dos textos autobiográficos de Mijaíl (Michael, en Estados Unidos) Chéjov que cubren su etapa rusa y europea, antes de que se instalara en Estados Unidos. El camino del actor (1928) rememora su infancia y el descubrimiento de su pasión por el teatro, su formación en la Escuela Teatral Suvorin y sus primeros pasos en el Teatro Mali y posteriormente en el Teatro del Arte de Moscú; entra de lleno en su alcoholismo y en sus desequilibrios nerviosos y, sobre todo, en su búsqueda de una nueva forma de actuar que deje atrás los estereotipos naturalistas. Vida y encuentros (1945) se compone de una nutrida serie de recuerdos y anécdotas por los que desfilan personalidades como Stanislavski, Vajtángov, Sulerzhitski, Bieli o Max Reinhardt, de quienes ofrece tanto un retrato personal como una reflexión sobre sus técnicas y procesos creativos. También aquí el empeño por encontrar un nuevo sistema −y una manera de enseñarlo− que permita al actor la «bifurcación de la conciencia», es decir, una forma de observar e interpretar el personaje desde fuera, lejos del recurso stanislavskiano a la «memoria afectiva», ocupa un lugar importantísimo. Tanto uno como otro texto son más que unas memorias: tienen una innegable utilidad en el ámbito de la pedagogía teatral.

Éste es un manual clásico de dirección e interpretación teatral estructurado en breves notas sobre cada aspecto del proceso de la representación escénica. Con estas 130 notas se han formado actores y actrices como Ian McKellen, Kevin Spacey y Judi Dench, y antes Alec Guinness y Richard Burton, todos ellos en algún momento bajo las órdenes de Frank Hauser, director de la prestigiosa compañía Oxford Playhouse durante quince años. Un día Russell Reich, un antiguo colaborador suyo, le propuso recopilar y ampliar las notas y de ahí surgió este volumen de certeras, estimulantes, reveladoras Notas de dirección. De utilidad tanto al director de escena curtido que en algún momento necesita un consejo instantáneo para salir de un marasmo, como al director novato que tiene que enfrentarse desde al casting hasta a una mala crítica, están escritas con humor, una lucidez desarmante y la agudeza de quien ha dado con las preguntas imprescindibles, esas que uno no sabe cuáles son hasta que alguien ha dado con ellas.

Un emotivo y fascinante recorrido por la escena teatral porteña en los primeros cinco años de la intensa década de 1960. Salas nuevas, espectáculos modernos, variedad de géneros escénicos, actores que luego alcanzarían el reconocimiento general, obras de autores clásicos, experimentos muy novedosos, “emociones teatrales”, como denomina su autor a estas breves viñetas recobradas a partir del recuerdo de su adolescencia y filtradas por su conciencia de hombre maduro, con una enorme trayectoria en el teatro. Estas páginas son una maravillosa invitación a vivir las noches teatrales de la Buenos Aires de entonces, una ciudad en ebullición, con una actividad artística incomparable. Kado Kostzer enriquece sus memorias de espectador juvenil con impresiones actuales y permite recuperar espectáculos tanto famosos como desconocidos, puestas asombrosas y sencillas, nombres que trascendieron y otros que no perduraron, salas perdidas y aquellas que aún hoy continúan convocando a sus fieles espectadores.

Este libro analiza algunas de las representaciones teatrales más significativas que abordan el pasado reciente de Argentina, concentrándose específicamente en la última dictadura militar. El trabajo se centra en obras dramáticas realizadas en la ciudad de Buenos Aires en el período 1995-2015. Cada una de ellas constituye un acto específico de memoria performativa en relación con el terrorismo de Estado y sus consecuencias, y, también, cada una escenifica formas diversas y contradictorias de narrar la historia del pasado reciente del país, lo que da lugar a memorias escénicas activas y disconformes con las narrativas socialmente establecidas y consolidadas. Con esas interpretaciones históricas se abre, así, una incesante y continua lucha de lecturas y sentidos.

Caída la dictadura, en los #80 se apropió de Buenos Aires un espíritu de renovación radical de las artes que mezcló e involucró desde actores, performers, periodistas, rockers y artistas plásticos en escenarios míticos como Cemento y Ave Porco.

Este libro es una visita a una época que pareciera pasada pero que
continúa vibrante, diseminada por las áreas periféricas de cierta
cultura previsible.
Fueron aquellos tiempos en los que el proceso creativo era resistencia
cultural, donde surgían lugares y personajes con nuevas propuestas y luz
propia. En su caos inspirador, elemental, se expresaron ajenos al sayo
que limita la gran aventura de crear. Los artistas que aquí recordamos
no se han extinguido: el árbol se sigue plantando, aun vecino a la
maleza transgénica anticreativa.
No se trata de recuperar ninguna saga jamás perdida, sino de sumergirnos
por medio del lenguaje en los vestigios que vuelven a ser semilla, donde
ya no llora la Biblia junto a ningún calefón sino que surge vivaz, libre
total y siempre accesible la verdadera risa de una cultura popular, para
deleite de tantos quiméricos sueños nuevamente vueltos realidad.

¿Qué hace que una obra dramática sea buena? ¿Cómo se relaciona una obra dramática con la vida cotidiana? Para David Mamet, uno de los ideólogos contemporáneos más carismáticos y comprometidos con la creación artística, el teatro con mayúsculas satisface la necesidad humana de ordenar el mundo. Una buena obra dramática lleva al protagonista a invocar frente al público, en el escenario y a través del propio personaje, la fuerza para continuar en la lucha por existir. El autor considera inherente a la naturaleza humana la necesidad de dramatizarlo todo: “Nuestra comprensión de la vida, nuestro propio drama se resume en tres partes: Había una vez... Pasaron los años... Y un día”. Los ensayos contenidos en Los tres usos del cuchillo actúan como un elocuente recordatorio de que las vidas privadas se componen de pequeñas escenas de tragedia y comedia que sólo tienen sentido como parte de una obra dramática que es la propia biografía en su conjunto. Lleno de toques autobiográficos, David Mamet proporciona en este libro las claves para detectar el teatro tramposo y autocomplaciente que defiende la sociedad mediática occidental. En su conjunto, Los tres usos del cuchillo es una llamada al arte y a las armas, un manifiesto que nos recuerda el poder singular de la obra dramática para mantenernos sanos, cuerdos y humanos.